Logorama

Licht Festival

2012-01-10T16:08:00.001-02:00

Quem estiver aproveitando as férias para viajar pelos arredores da Bélgica, deve ficar atento, pois no dia 26 de janeiro em Ghent, vai acontecer o Licht Festival 2012. O evento coloca em foco o prestigiado plano de iluminação da cidade, que foi premiada em 2004 pela rede internacional LUCI com o City People Light Award

Se repetir o sucesso do ano passado esse ano promete! Em 2011 artistas como Rafaël Lozano Hemmer, Alberto Garutti, Pablo Valbuena e Dirk Braeckmanos mostravam seus trabalhos em diversos lugares do centro histórico de Ghent. Os visitantes percorriam uma rota de 5 km a pé por onde podiam admirar os trabalhos.

Ficou curioso? Aqui vai uma compilação dos melhores momentos de 2011.

O grupo Mr. Beam usou a parte de trás do conservatório de Ghent para sua bela apresentação em 2011. Eles utilizaram como inspiração o grande constraste do prédio, não só em termos arquitetônicos (a parte exterior envelhecida contrastando com o interior moderno), mas também na diferença de sua atmosfera diurna e noturna, já que o ar soturno e fantasmagórico que assume à noite é substituido por um entorno alegre durante o dia devido à agradável música dos alunos.

E por útltimo, uma prévia do que o Mr. Beam está preparando para 2012.

Legal né? Se quiser saber mais seguem os links do site do Mr. Beam e do festival:

http://www.mr-beam.nl

http://www.lichtfestivalgent.be/

A Capital do design.

2011-11-10T16:57:00.001-02:00

O Conselho Internacional das Organizações de Desenho Industrial (ICSID) é uma organização não governamental que protege e promove os interesses dos profissionais do Design. É formado por mais de cinquenta associações de Design espalhadas por 40 países, com o propósito de contribuir para o desenvolvimento da profissão, unificando os saberes de todos os membros através de uma plataforma universal. No dia 26 de outubro deste ano, o conselho nomeu a Cidade do Cabo, na África do Sul, a Capital Mundial do Design 2014. Tal título é concedido a cidades que fazem uso do Design para o desenvolvimento cultural, social e econômico. O anúncio é feito com antecedência para dar às cidades vencedoras tempo suficiente para planejarem, desenvolverem e promoverem um programa de eventos com a duração de um ano.
A campanha da Cidade do Cabo teve como lema “Live Design. Transform Life.” ou, em português, “Viver o Design. Transformar a Vida.”

E falando em design e Cidade do Cabo, a gente aproveita para mostrar o trabalho de um escritório incrível de lá, o The President.


exposição em Buenos Aires

Revista Bruce Lee, publicação do canal musical MK. Em 2 versões: Bruce para os homens, e Lee para mulheres.

Garrafa de vinho e embalagem para a marca Afro Coffee

Para saber (e ver) mais:
http://www.thepresident.co.za/mainpage_work.html

http://www.capetown2014.co.za/

Become someone else.

2011-08-16T17:44:00.000-03:00

A agência Love (www.loveagency.lt), da Lituânia criou essa série de cartazes bem-humorados para a livraria Mint Vinetu, especializada em clássicos. Os cartazes com os dizeres "Become Someone else", brincam com o envolvimento do leitor com o que é lido, e procuram incentivar as pessoas a lerem diferentes clássicos, e se sentirem na pele de diferente personagens.

Atelier Markgraph

2011-08-15T16:15:00.000-03:00

Expo "With Seventeen - Being Young in Germany"

O Atelier Markgraph é um estúdio de design em Frankfurt que funciona desde 1986, trazendo experiências únicas, que transcendem as limitações convencionais.

Da equipe MULTIDISCIPLINAR fazem parte arquitetos, designers expositores, estrategistas, copywriters, designers gráficos, técnicos e historiaridores, além de freelanceres de outras areas.

Expo "With Seventeen - Being Young in Germany"

O atelier elabora espaços fixos que são suficientemente flexíveis para crescer e se renovar. De acordo com os parâmetros espaciais e de conteúdo de cada projeto, eles desenvolvem um balanço individual de componentes permanentes e mutáveis envolvendo a construção e o conteúdo da exibição.

A marca do estúdio é o desenvolvimento de projetos PERMANENTEMENTE TEMPORÁRIOS, que quebram as leis familiares de espaço e tempo, com o objetivo de fixar mensagens na cabeça dos visitantes de maneira memorável e fascinante.

Exposição Constructing Atmosphere

Ilumination: Evolution

Abaixo um vídeo da instalação multimidia do metrô de Willy-Brandt-Platz, em Frankfurt:

Para ver mais trabalhos o site do atelier é: http://www.markgraph.de/en/flash.html

Pina Bausch

2011-07-08T14:39:00.006-03:00

O nome Pina Bausch tem sido bastante comentado ultimamente. A coreógrafa e bailarina alemã, falecida em 2009, é a personagem título do primeiro documentário 3D do badalado diretor Win Wenders. Além disso, o espetáculo Ten Chi, criado por ela no Japão em 2004, esteve em cartaz em abril, em São Paulo.

Espetáculo Cravos


Espetáculo Ten Chi (Céu e Terra)

Pina ficou conhecida principalmente por contar histórias em suas coreografias, feitas em conjunto e que eram baseadas nas experiências de vida dos bailarinos, utilizando elementos da dramaturgia e das artes visuais. Muitas delas estão relacionadas a diferentes cidades ao redor do globo, já que Pina retirava de suas turnês idéias para seu trabalho.
Entre os seus temas recorrentes estavam as interações entre masculino e feminino, que serviram de inspiração para o diretor Pedro Amodóvar. Em seu filme "Fale com ela" , Pina aparece em uma bela sequência de dança.
Foi diretora da companhia Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, que tem um grande repertório de peças originais e viaja regularmente por vários países.

A seguir, o trailer do filme e o vídeo com um trecho do espetáculo A Sagração da Primavera.

Rio São Francisco navegado por Ronaldo Fraga

2011-06-09T18:37:00.003-03:00

Quem estiver em São Paulo não pode perder a exposição "Rio São Francisco navegado por Ronaldo Fraga". Ela surgiu a partir da pesquisa que o estilista fez para a coleção desfilada no São Paulo Fashion Week em junho de 2008, e é o primeiro projeto de moda a ser incentivado pela Lei Rouanet, sendo um primeiro passo para a moda brasileira ser reconhecida como instrumento cultural.


Ronaldo Fraga encostado na parede que contém o texto ABC do São Francisco, ao fundo o ambiente “Memória e Devoção” com seu teto de cruzes feitas de retalhos de tecidos e sua parede de fotos lembrando os ex-votos

A exposição é um passeio pelas margens do rio, mostrando a cultura popular presente, através do olhar de Ronaldo. Ela é composta por 13 instalações belíssimas, integralmente produzidas pela ONG Missão Paz, e conta com a participação da cantora Maria Bethânia e do ator Wagner Moura.

A voz de Bethania pode ser ouvida declamando o poema “Águas e Mágoas do rio São Francisco” de dentro dos 16 vestidos musicais que compõem o ambiente “A Voz do Rio” (você pode abraça-los se quiser ouvir melhor). Já em outra instalação, podemos ver o emocionante documentário produzido e narrado por Wagner Moura sobre a cidade de Rodelas (BA) onde foi criado, e que foi inundada para dar lugar à barragem da hidrelétrica de Itaparica.

Ambiente “Caixeiro Viajante”

Ambiente “Nascente”

Visão geral


Visão geral

Ambiente “Cidades Submersas”

Ambiente “Garrafas - Águas do Rio”

Ambiente “Convés do Vapor”

Ambiente “O Gosto que o Chico tem”. Referência aos mercados com seus cheiros, sabores e cores

Fernanda Takai no ambiente “A voz do Chico”. Esse ambiente mostra vestidos estampados com imagens de diferentes carrancas. De cada vestido, emana a voz de Maria Bethânia, em gravação especial para a exposição, declamando o poema “Águas e Mágoas do rio São Francisco” de Carlos Drummond de Andrade escrito em 1977

Quem não tem planos de ir a São Paulo não precisa ficar triste, já que a exposição, de caráter itinerante, está prevista para circular por cerca de mais 12 cidades brasileiras

Para saber mais é só entrar no site da exposição: http://www.saofranciscoronaldofraga.com.br/

o site do estilista também é lindo e vale a visita: http://www.ronaldofraga.com.br/
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DANÇA e VIDEO INSTALAÇÃO

2011-06-07T22:54:00.002-03:00

A Companhia de dança Australiana Chunky Move ganhou uma menção honrosa "Honourable Mention - Hybrid Art" do Festival Ars Eletrônica com o projeto Mortal Engine. O Espetáculo é todo acompanhado porvídeo projeção e áudio que interagem com os movimentos dos dançarinos e cena, em tempo real. Motion Capture na veia em uma produção muito bem pensanda.

CREATIVE TEAM

DIRECTION AND CHOREOGRAPHY Gideon Obarzanek
INTERACTIVE SYSTEM DESIGN Frieder Weiss
LASER AND SOUND ARTIST Robin Fox
COMPOSER Ben Frost
COSTUME DESIGNER Paula Levis
LIGHTING DESIGNER Damien Cooper
SET DESIGN Richard Dinnen and Gideon Obarzanek
MULTIMEDIA ENGINEER Nick Roux

O METRÔ DE ESTOCOLMO

2011-06-07T22:19:00.001-03:00

Incrível o metrô de Estocolmo. Estive lá e me pareceram mais grandes cavernas. Acho que não prestei muito atenção. São mais de 45 estações subterraneas reachadas de arte. Execelente os projeto de Arte e Design juntos. Aliás arte é o que não falata nas ruas de Estocolmo. É muito bom ver o encontro do medieval com o melhor da arquitetura e design contemporâneos por lá. É imagem que não acaba mais.

By: FUBIZ

SUL AMERICAN DESIGN VIBE

2011-05-25T22:17:00.002-03:00

Atolón de Mororoa são Andrés Amodio, Zelmar Borras, Diego Fernandez and Diego Prestes,
São um estúdio de design em Motivideo Uruguai. Sente a vibe sul americana.

www.atolondemororoa.com
www.facebook.com/atolondemororoa
www.twitter.com/atolondemororoa
isla@atolondemororoa.com

Stefan Sagmeister

2011-05-25T17:33:00.007-03:00

O Designer Sagmeister Trabalha com diversas plataformas e pode ser considerado um artista nato. É um designer que faz as coisas com propósito, que pensa no que quer comunicar. Muitos dos seus trabalhos levam ao pé da letra a idéia da parte do todo... parece fissurado em compor e escrever mensagens com pequenos objetos que completem o significado da mensagem em questão

Abaixo mais trabalhos do cara. Vc pode conferir muito mais no site dele.

AS HITORIAS DE JONATHAN HARRIS

2011-05-17T11:52:00.002-03:00

Nós já falamos dele anteriormente em um post sobre projetos de web, qunado expusemos o projeto "we feel fine". O Trabalho de Jonathan vai muito além da web, ele fala sobre memórias e experiências humanas. A web é apenas uma forma de se relacionar com o sentimentos humanos e principal meio de exposição do seu trabalho.

Jonathan já foi comissionado pelo MOMA, Yahoo para desenvolver trabalhos exclusivos e segue bastante focado no desenvolviemnto de projetos autorais.

I Want you to Love Me foi o proejto desenvovlido para o MOMA, veiculado no dia dos namorados em 2008. Trata-se de uma software que busca em centanas de sites de relacionameto perfis similares de casais. A interface é linda, com na maioria dos seus trabalhos.

Jonathan Harris desenvolve projetos on-line que re-imaginam a forma como nos relacionamos com as “máquinas” e uns com os outros. Utiliza-se de ciência da computação, estatística, narrativa e design como ferramentas. Acredita que a internet esta se transformando num meta-organismo planetário e que depende de nós guiar sua evolução, moldando-a em um espaço que, de fato, tenhamos vontade de habitar – um espaço que compreenda e honre o ser humano individual e coletivo, exatamente como na vida real.

Um dos projetos pessoais que me chamou a atenção foi TODAY, onde Harris comea a tirar um foto por dia e postar numa página com o simples intuito de guardar memórias e aumentar seu repertório. Conseguiu milhares de seguidores interessados em suas imagens. Veja abaixo o Depoismento do artista sobre o projeto.

O projeto Whale Hunt é mais um registro on-line de uma aventura de Jonathan. Ele resolveu viajar ao alaska e registrar a caçada de uma baleia. O interessante é a maneira que ele expos no site THE WHALE HUNT as centenas de registros que fez durante a aventura.

As fotos são incríveis e a idéia do site é reproduzir a experência da caçada. Segundo Harris foi um exercicío de contar uma história (inusitada) de uma maneira diferente.

Assista uma palestra dele no Ted.

Seus projeto falam dos sentimentos e vontades humanas. A partir de uma lógica elementar da construção de conteúdos na WEB (a marcação de palavras chaves: Tag) e com um design simples e inteligente, Jonathan consegue criar formas inovadoras de visualização de um mesmo conteúdo. Impressiona, ver num mesmo espaço, tantos pontos de vista distintos sobre um único tema/palavra.

Hélio Eichbauer

2011-05-11T14:20:00.004-03:00

Entrevista legal com Helio Eichbauer na página do teatro

cenário para a peça Maria Stuart

Cenógrafo com 45 anos de carreira desvenda mistérios do ofício

Hélio Eichbauer é um dos grandes nomes do teatro brasileiro. Com quarenta e cinco anos de cenografia no currículo, ele conta que largou a faculdade de filosofia para ingressar no mundo do teatro. Foi estudar na Europa e tornou-se primeiro aluno do mestre Josef Svoboda, um dos maiores personagens do teatro mundial. Esteve em Cuba logo após a revolução de Castro e trouxe as cores do Caribe direto para a montagem de “O Rei da Vela”, peça que se tornou um marco na história do teatro brasileiro. Confira a entrevista.

Rei da Vela

Quando você decidiu se tornar cenógrafo de teatro e por quê?

Eu era pintor. Tinha feito faculdade de Filosofia no Rio de Janeiro e fazia pintura figurativa. Eu vi uma exposição do meu futuro professor, Josef Svoboda, que veio para a Bienal em São Paulo e por extensão fez uma exposição no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. E eu sempre me interessei por Teatro, Ópera, Balé, frequentava o Teatro Municipal desde pequeno. Meus parentes são artistas e músicos da orquestra e eu resolvi largar a faculdade de Filosofia e ser cenógrafo, porque eu quis aprender e a vivenciar aquela experiência maravilhosa do Josef Svoboda, um dos maiores cenógrafos do século 20. E ele estava expondo no Rio de Janeiro e eu fui para a Europa estudar com ele e ingressar nesse mundo do Teatro.

Como você avalia o seu papel na história do Teatro Brasileiro?

Tenho uma carreira muito grande. Fiz mais de duzentos trabalhos, quase quarenta e cinco anos de carreira, fiz uma grande exposição em 2006 no Centro Cultural Correios para comemorar 40 anos de profissão. Isso a partir da volta da Europa, em 66. Eu acho que tenho o meu lugar, como acho que outras pessoas têm na história da cultura brasileira.

Adriana Partinpim

Que influências você trouxe da Europa para a sua cenografia?

A minha formação na Europa é uma formação muito rigorosa. Eu passei por vários ateliês de pintura, de escultura, marcenaria e fazia as minhas próprias maquetes. A escola do Josef Svoboda é ligada ao abstracionismo, arquitetura abstrata, cinética, os anos 60, e a formação dele é uma formação do teatro eslavo e russo, do construtivismo russo, do cubo-futurismo, passando pela escola da Bauhaus. Eu tive uma formação muito rigorosa e muito interessante, muito diversificada, estudava muito, ia a museus e fazia parte deste trabalho meu e desta formação viajar. Eu ia muito a Berlim, a Paris e a Veneza. Foi uma formação humanística. Hoje é naturalmente um revival com outra técnica, uma técnica mais apurada e mais desenvolvida. Svoboda fazia muitas experiências com luz. Há equipamentos de iluminação que se usam hoje com o nome dele. Ele é um dos criadores da lanterna mágica de Praga e desenhou vários pavilhões internacionais da Tchecoslováquia.

E como você foi parar em Cuba?

Eu terminei o meu curso em Praga em 66 e recebi um convite para participar do Festival Internacional de Teatro, na Casa das Américas e ai eu fui representando o Brasil neste festival. Como eu tinha muitos amigos lá, eu pedi a Casa de Las Américas para ficar trabalhando em Cuba por um tempo no Teatro Studio, que era um teatro de vanguarda na época. Trabalhei em Cuba durante um ano. Viajei a ilha toda com uma peça, que foi a peça que ganhou o prêmio do Festival Internacional de Teatro. Foi logo depois da revolução cubana e existia um grande otimismo na época, porque eles recebiam o apoio da União Soviética. Cuba restituiu para mim a cor, os trópicos, tanto que quando eu retornei fiz “O Rei da Vela”, com José Celso, por influência dessa passagem pelo Caribe. Tinha um rigor europeu, que era um rigor do abstracionismo geométrico, preto, branco, cinza, prata e Cuba restituiu a cor.

Que trabalhos você destaca como os mais importantes da sua carreira?

"O Rei da Vela", por exemplo, foi um marco na história do teatro brasileiro, tropicalista, que o José Celso fez. Ele me chamou para fazer cenário, figurino, maquiagem e objetos de cena. Eu fiz toda a parte plástica de "O Rei da Vela" que foi considerado o grande momento da virada do teatro brasileiro. Era uma obra do Oswald de Andrade, dos anos 30, que não tinha sido encenada ainda e foi encenada em 67 e influenciou muito o teatro a partir daí. Eram três tipos de estética e foi um momento importante da minha carreira, em que eu pude trabalhar e fazer tudo. Minha geração toda de cenógrafos fazia cenário e figurino, desenhava objetos de cena e móveis. É um pouco diferente hoje, com vários figurinistas, iluminadores. A participação do cenógrafo era muito mais ativa. Hoje várias pessoas contribuem para o espetáculo, mas naquela época nós fazíamos quase tudo, só não entrávamos em cena, mas quando era preciso também entrávamos em cena. Também atuei em uma peça do teatro oficina, mas em uma peça que eu não fiz o cenário, antes mesmo de ir a Cuba. Eu tenho essa visão de dentro da cena e de fora. Isso facilita muito e ajuda na compreensão do espaço e no tipo de mensagem que você quer transmitir para o público, as duas perspectivas.

Como você avalia a formação dos cenógrafos e a cenografia brasileira contemporânea?

Hoje há escola de formação específica. A cadeira de cenografia estava ligada à Escola de Belas-Artes, era um ramo da escola. Hoje há uma formação específica técnica de cenografia nas escolas e aliado a novas técnicas e possibilidades técnicas. Mas sempre tivemos ótimos cenógrafos, como o Flávio Império, que veio da arquitetura, um grande artista plástico e cenógrafo que veio do teatro oficina, Anísio Medeiros. Nós tínhamos artistas plásticos que eram cenógrafos bons. O que ainda não existia era uma escola específica. Não existia uma formação técnica e hoje existe, embora com problemas, como há problemas no ensino brasileiro, mas existe a possibilidade de formação técnica.

O que é necessário para ser um bom cenógrafo?

Primeiro gostar muito de teatro e das artes cênicas. Precisa amar muito essa profissão, porque é uma atividade que existe há 25 séculos. O teatro escrito existe há 25 séculos, desde os gregos, portanto, a profissão de cenógrafo existe desde o teatro grego clássico. Precisa amar o teatro e estudar muito. Se tiver uma formação de arquitetura é melhor, facilita. Mas é preciso amar, como em qualquer profissão, porque o amor desenvolve a criatividade. Pesquisar muito também. Hoje com a internet há uma possibilidade imensa de pesquisa. Mas também precisa saber pesquisar para separar o trigo do joio. O talento eu acho que todos têm. Algumas pessoas têm mais aptidão para escrever, outras para desenhar, mas as pessoas deveriam na realidade fazer tudo e se exercitar em todas as áreas. Essa formação humanística europeia que eu tive me ajudou muito e abriu muitas possibilidades e caminhos para a vida. Hoje as pessoas se especializam demais nas coisas e esquecem as outras áreas e as outras conexões, mas eu acho que os estudantes deveriam voltar a viajar e navegar em outros mares também.

Jardim das Cerejeiras

Celestina

A VOZ DO POVO - MOSTRA URBANA

2011-05-10T17:31:00.004-03:00

A Voz do povo é a Voz de Deus é uma mostra ao ar livre que conta curiosidades históricas do Rio de Janeiro através da linguagem dos ditados populares.

A cidade está cheia de histórias, curiosidades e memórias que estão espalhadas por todas as esquinas em estátuas, edificações, praças e ruas. A M’baraká escolheu algumas dessas histórias e contou-as em diversas instalações divertidas e inteligentes na mostra “A Voz do Povo – Memórias do Rio em Ditos”, que teve início no dia 17 de agosto de 2010 e ficou em cartaz por um mês na cidade.

O objetivo da Mostra é proporcionar um diálogo entre o povo, o espaço urbano, seus patrimônios e memórias por meio de instalações e intervenções. Tudo isso com a irreverência dos ditados populares, que anunciam curiosas memórias da cidade e nosso patrimônio, no intuito de popularizar esse rico conteúdo. Queremos criar uma relação afetiva entre cidadão e cidade e, dessa forma, fazer com que a população carioca cuide do seu patrimônio com mais carinho e conheça melhor suas histórias.

Com o patrocínio da Estácio de Sá e do ONS, A exposição aconteceu a céu aberto, com instalações montadas pela cidade do Rio de Janeiro, em um circuito que se inicia no Largo do Machado e passa pelo Catete, Glória, Lapa, culminando no Centro da cidade, com instalações na Cinelândia e Praça XV.

A mostra Voz do Povo foi idealizada pelo estúdio muldisciplinar M'Baraká experiêncis relevantes, tendo como base o trabalho de finalização de curso da Designer Ana Menezes.

Idalização e direção de arte: M'Baraká experiências relevantes

CREDITOS
fotografia: Tainá Del Negri

HOT HOT - Club São Paulo

2011-05-10T15:15:00.001-03:00

Hot Hot é um clube paulistano com design bem sexy.

O projeto é assinado pelo arquiteto Guto Requena e pelo designer Alexandre Nino, que foram fundo nas pesquisas sobre o designer de interiores Verner Panton para elaborar o conceito do espaço. A linguagem pop e bem-humorada do dinamarquês está bastante presente no mobiliário, nas luzes e nos padrões psicodélicos que cobrem o chão e paredes, dando ao conjunto um clima que remete aos clubes underground de Berlim, nos anos de 1970.

O prédio escolhido para a fundação da casa estava abandonado há mais de 20 anos, e nem por isso sua fachada foi alterada. Pelo contrário, sua degradação física e os graffitis que a estampam foram mantidos para valorizar a ação do tempo e convidar o cliente a entrar no clima retrô do clube. Se isso não funcionar, um túnel de luz de 20 metros de comprimento faz a vez, introduzindo as pessoas ao universo Hot Hot.

Os padrões coloridos com a paleta cromática do clube (azul royal, cereja, laranja, amarelo ouro e verde oliva), somados às enormes placas de LED que cuidam da iluminação do espaço (projeto de Lonardi Doná) e à música, transformam a balada em uma experiência sensorial rica e envolvente.

Fotos: Marcelo Magnani
+ Informações:
Site: Hot Hot
por: zupi

M'Baraká no Voxel Show

2011-05-10T11:55:00.006-03:00

Entrevista com o estúdio M'Baraká, quando fomos convidados a participar da primeira edição da revista Voxel. Rolou uma palestra da M'Baraká, junto com outros escritórios, no evento de lançamento da revista. Isso foi há dois anos... tem muita novidade depois desse tempo.

[Voxel Show] O que é a M’Baraká?

A M’Baraká experiências relevantes é um grupo multidisciplinar de criação e estratégia. Nosso foco é criar experiências calcadas na diversidade cultural, de linguagens artísticas e das disciplinas do design.

[Voxel Show] Quando e como começou a empresa?

Cerca de três anos atrás. Conceitualmente, a empresa foi se moldando de maneira informal, através de projetos e trocas de experiências dos sócios (Diogo Rezende e Isabel Seixas). Há cerca de três anos formalizamos a empresa. Isso quando percebemos que nossa visão sobre a união de Cultura e Design - conteúdos e estéticas - poderia nos diferenciar num mercado onde há formatos muito padronizadas. Além disso, poderíamos implementar nossa filosofia sobre questões como experiência, conteúdos, diversidade, estética, etc. No caminho, tivemos padrinhos, fadas, parceiros…

[Voxel Show] Qual foi a trajetória da M’Baraká?

Continuando a partir da resposta anterior, tudo começou a partir de trocas informais entre os sócios, que se conhecem desde os tempos de escola. Com o passar dos anos, e com o direcionamento profissional de cada um - Diogo Rezende, designer, e Isabel Seixas, produtora cultural -, as afinidades conceituais foram se acentuando e as trocas passaram a ter uma dimensão mais objetiva, com fins profissionais. Percebemos o potencial para criação de projetos de vanguarda a partir do encontro entre essas duas grandes áreas: Design e Cultura.

E também fomos refinando nossos interesses pessoais em relação aos projetos e percebendo que havia forte convergência. Unindo o know-how do Diogo em novas tecnologias de comunicação (adquirido nos anos de experiência com a YDreams), sua formação em Design e sua sensibilidade à trajetória da Bel, em diversas linguagens artísticas / culturais, na conceituação e planejamento de projetos, e sua pesquisa acadêmica sobre a aplicação de novas mídias na cultura e na difusão do conhecimento, demos os primeiros passos da M’Baraka neste sentido.

Já tínhamos projetos em comum, nossos e de parceiros, quando criamos a empresa. O primeiro ano da empresa foi o ano do Design de Instalações Interativas. Em cultura, estávamos apenas planejando projetos. No ano seguinte, as áreas se nivelaram, tendo contratos de consultoria em cultura e diversas experiências vindas da área de design. O portfólio de design cresceu muito com clientes como AMBEV, NOKIA, FIAT, PETROBRAS, etc. Atualmente, as duas áreas se complementam e estão equiparadas em termos de demandas / resultados.

[Voxel Show] Em que áreas a empresa atua?
Todos os nossos “serviços” e “produtos” resumem-se no desenvolvimento de estratégias baseadas no que hoje se convencionou de marketing de experiência. Atuamos em duas grandes áreas isoladamente e/ou em conjunto, são elas: Planejamento de Experiências e Design de Experiências. Dividindo-se, respectivamente, nos seguintes serviços: criação de projetos culturais (com foco na renovação / interação entre linguagens); consultoria em marketing cultural e planejamento de comunicação / instalações (com ênfase digital), cenografia e motion graphics.

[Voxel Show] Qual é a inovação, o diferencial?
Defendemos a troca entre saberes e pessoas distintas como nosso maior potencial de inovação, na medida em que somente ela é capaz de gerar novos conhecimentos, novas idéias, novos conceitos, experiências relevantes. Conhecimentos que residem na abertura multidisciplinar os quais proporcionam para nós e nossos colaboradores um ambiente de troca e aprendizado constante.

[Voxel Show] Há alguma inspiração evidente no trabalho?

Na área de design algumas de nossas referências são as exposições de David Stark, as formas da arquiteta Zaha Hadid, os motions graphics do Psyop, a multidiciplinaridade e inovação do estudio Troika e da “gigante” Imagination, a arte interativa de Golan Levin.

Nossas inspirações em geral são os movimentos, tendências e carências da sociedade. A arte e as novas possibilidades da tecnologia da informação são também uma base para projetos de vanguarda.

[Voxel Show] Quais foram os trabalhos mais importantes realizados pela M’Baraká?
Até o momento, em termos de aprendizado e relevância para o portfólio foram: Expo Seliga (mostra científico cultural sobre a energia); Vending Machine do Futuro para a Tetra Pak (instalação digital), em 2006; cenografia para o projeto da Roda Skol 2008; Instalação Touch para o projeto Nokia Trends Mob Jam, em 2008; e a série de espetáculos Contos Clássicos (hoje em sua terceira temporada).

[Voxel Show] O que podemos esperar para 2009 e para os seguintes anos? Há algum novo projeto?
O ano de 2009 promete na área cultural. O projeto Contos Clássicos realiza sua terceira temporada. Como desdobramento do seu sucesso, temos um novo espetáculo de literatura + musica + artes cênicas, uma versão brasileira da série chamada Contos Clássicos Brasileiros. Temos uma instalação em parceira com artistas plásticos no Rio, misturas com moda, música e arte digital em uma instalação itinerante. Projeto de musica instrumental no Copacabana Palace.

No mais, seguem as consultorias em mkt cultural, um esforço direcionado para a realização de nova edição do projeto SeLiga!, novas idéias e projetos. Estamos em busca de novas parcerias para criação de experiências de marca.

[Voxel Show] Qual a expectativa para a área no Brasil?
Nossa experiência nesses anos gerindo a M’Baraká e mesmo antes de formar a empresa, trabalhando com projetos de vanguarda e inovação, nos faz perceber que é preciso muita seriedade e consistência de portfólio para se realizar um projeto tido como “mais conceitual”. Naturalmente, hoje percebemos maior abertura para projetos desse tipo, no entanto, o Brasil ainda tem um longo caminho pela frente, para fazer com que os executivos de marketing não só percebam o marketing de experiência, mas para que saibam aplicá-lo com propriedade.

Visite: www.mbaraka.com.br

IDEIAS RELEVANTES - SAPPI Ideas That Matter

2011-05-10T11:27:00.004-03:00

Um escritório inglês Studio Hinirchs, do designer Kit Hinirchs, lançou um desafio: um concurso de design cujo critério de seleção é a relvância sócio-cultural do projeto. Veja abaixo um release dos idealizadores. O Site do concurso ta cheio de cases interessantes. Quem sabe você não se anima de propor alguma coisa. Ainda dá tempo.

Olafur em Berlin

2011-05-09T22:36:00.003-03:00

Divagando por Berlin em busca de arte, me deparei com a mais completa exposição do Olafur. Simplesmente indescritível.

Não cansa nunca ver Olafur.

MATALI CRASSET

2011-05-09T21:58:00.000-03:00

Um Pouquinho do Trabalho da multi-designer Francesa Matali Crasset. Confiram seu site.

JASON MUN POSTERS

2011-05-09T20:57:00.004-03:00

Expoente do design de cartazes, o designer innglês Jason Mun comunica com simplicidade, precisão e critividade shows e turnes de Bandas mais respeitadas no cenário internacional. Nouvelle Vague, The National e muitos outros estão no seu humilde e consistente portfólio.

No site dele http://jasonmunn.com/blog.php pode se ver um pouco mais do seu trablaho e até encomendar um poster, que ficaria muito bem na sua parede.

Mas para conhecer realmente o trabalho do cara, o livro The Small Stakes mostra tudo.

Veja abaixo maisss imagens...

Desenhos em Performance

2011-05-09T12:38:00.005-03:00

O Artista Tony Orrico apresenta desenhos feitos em performances.

fomr:Fubiz

Passos

2011-05-04T17:31:00.012-03:00

foto: Isabel Ebert

A Companhia Crescer e Viver de circo está em cartaz com seu novo espetáculo Passos.

No picadeiro, doze personagens representam um ato tão simples, e ao mesmo tempo tão significativo: o de caminhar. “A ideia para a concepção do espetáculo foi a busca de novos caminhos, de viagem, de sair da estagnação”, explica o diretor Claudio Baltar convidado pelo CRESCER E VIVER para dirigir mais esta produção que é a quarta no repertório da sua companhia circense.

O espetáculo vai até dia 29 de maio, sextas e sábados às 20h e domingo às 18h. Ingressos custam 20 reais (inteira) com entrada franca para menores de 10 anos.

O Crescer e Viver fica na Rua do Carmo Neto, 143 (em frente ao metrô da Praça XI).

COPA FEST – 28 a 30 de agosto, Rio de Janeiro.

2009-09-01T15:17:00.021-03:00

Três dias de música no Copacabana Palace que já deixam tanta saudade quanto o próprio Beco das Garrafas. Foram momentos memoráveis, desde a abertura com o jovem pianista David Feldman, que com seu trio acolheu o gaitista Gabriel Grossi, até o encerramento com o mestre Osmar Milito, que recebeu Paulinho Trompete, Zé Luis e os meninos-revelação da banda Magnética em uma grande festa. Merece destaque a performance do bateirista Rafael Barata, presença marcante no festival.

Ainda estão ecoando pelos salões do hotel os metais de Paulinho e Banda Sambop e o som original do Pagode Jazz Sardinha’s Club, que presenteou o público com uma versão swingada de “Na Glória”. Uma grata surpresa foram os arranjos de Zé Luis, nome que já tem lugar garantido no rol dos grandes arranjadores brasileiros. Já os tão esperados João Donato e Paulo Moura só fizeram reafirmar sua excelência musical com uma sutileza de gênios; mais pareciam dois meninos que se encontram toda semana para jogar bola. O Copa Fest agradece.

Além disso, o repertório apresentado pelo pessoal do Vinil é Arte agradou até os mais exigentes, que se aproximavam para ver e manusear as capas dos discos.

Cada detalhe foi bem cuidado. A cenografia, as projeções de videoarte, a luz e até mesmo uma instalação sonora que surpreendia o público nos banheiros do hotel.

Um evento completo, mais uma realização M’Baraká Experiências Relevantes, com patrocínio de Terna Participações. Logo logo já começaremos nossos “ensaios” para o Copa Fest 2010... Aguardem!

FICHA TÉCNICA DO EVENTO
Idealização - Bernardo Vilhena e Isabel Seixas

Direção Musical - Bernardo Vilhena e Carolina Rossman

Direção de Arte - M'Baraká Experiências Relevantes

Videoarte - Ana Manezes e Sol Galvão

Cenografia - Diogo Rezende e Patrícia Sobral (Paluana)

Realização - M'Baraká Experiências Relevantes

Iluminação - Fernanda Mantovani

Assessoria de Imprensa - Monica Ramalho e Patrícia Simões

"Déjà Vu (0 kHz)" [instalação sonora nos banheiros] - Joana Bergman

* nomes em itálico sinalizam membros da equipe M'Baraká Experiências Relevantes

Design e o Amor

2009-06-21T16:44:00.007-03:00

Love design é um projeto que explora a relação entre o design e sentimentos como afeto, desejo, prazer e romance, mas também a inveja a distância da separação e a dor, sentimentos relacionados ao amor. O projeto, organizado pelo estúdio Frances exquise design, materializa-se numa exposição e livro.

A direção de arte das peças de comunicação chama atenção pela sutileza com que tratam de um tema cheio de tabus. Apreciem sem moderação :)

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Um Sistema Divertido

2009-06-16T09:17:00.007-03:00

Este projeto é resultado de uma demanda de comunicação do ONS, Operador Nacional do Sistema Elétrico - cliente que há três anos atendemos na área de consultoria em Marketing Cultural.

Desafio: apresentar ao público leigo o trabalho do ONS de forma leve e descontraída.

Através de uma linguagem lúdica, a vinheta instiga o espectador e representa a complexidade do sistema elétrico, mostrando como a atuação do ONS se faz presente no cotidiano de cada um e em todo o território brasileiro.

Vinheta Institucional ONS from Mbaraka on Vimeo.

A vinheta será veiculada junto aos projetos culturais incentivados pelo ONS. Dentre eles, o Festival de Cinema Infantil, que acontece anualmente em parceria com a rede Cinemark.

Cliente: ONS

Criação e roteiro: M’Baraká

Motion Design: M’Baraká

Prod. de áudio: Manga Jingle

U.F.O. de Peter Coffin

2009-05-27T16:18:00.007-03:00

Uma multidão se reuniu na orla do Rio na noite deste sábado, para assistir à passagem do disco voador do artista contemporâneo americano Peter Coffin, especializado em intervenções urbanas. Por falta de autorização da Agência Nacional de Aviação (Anac), a obra 'Sem título (U.F.O.)' acabou tendo seu trajeto encurtado, o que frustrou muita gente.

Convidados a sacar máquinas fotográficas, câmeras de vídeo ou celulares para registrar a exibição e enviar o material para publicação no Eu-Repórter, leitores mandaram suas fotos.

Os melhores registros serão selecionados por um júri especial, do qual Coffin fará parte, para serem exibidos em julho, numa exposição multimídia no espaço cultural Oi Futuro, que será organizada com o apoio do Jornal O GLOBO. Em seguida, as imagens integrarão um catálogo que será distribuído ainda este ano no Brasil, Estados Unidos, França e Polônia. A proposta de Peter Coffin é tornar os cariocas coautores do seu trabalho, estendendo o processo de produção da obra de arte.

- O olhar do outro está presente na fotografia. Gosto de ver a minha obra pelos olhos do público também - explica Peter Coffin, que chegou sábado ao Rio para coordenar os trabalhos de montagem da escultura voadora.

O disco tem estrutura de alumínio e sete metros de diâmetro. Nele foram instalados 15 mil 'leds' que, durante o voo, projetarão desenhos e símbolos criados por Coffin. A obra pesa cerca de 800 quilos e foi transportada, a uma velocidade máxima de 190 km/h, por um helicóptero, ao qual foi presa por um cabo de aço com 50 metros de comprimento.

'Sem título (U.F.O.)' começou a ser montado na última segunda, no aeroporto de Jacarepaguá, na Zona Oeste do Rio. Coffin, que é representado pela Galeria Andrew Kreps, em Nova York, pela Emmanuel Perrotin, em Miami, e pela Herald Street, em Londres, mostrou sua obra mais detalhadamente em dois pontos da cidade: a Praia de Copacabana e a Lagoa Rodrigo de Freitas, que serão sobrevoadas durante 20 e 15 minutos, respectivamente.

O projeto foi apresentado pela primeira vez em julho de 2008 na cidade de Gdansk, na Polônia. O artista foi convidado pela Open Art Projects a criar um trabalho para ser exibido num festival de artes na cidade, e causou espanto a cerca de 200 mil pessoas que assistiram ao sobrevoo. Para a apresentação em céu carioca, o OVNI ganhou mais iluminação.

* Matéria do Oglobo do dia 23/05

As fachadas enquanto tela - um pequeníssimo panorama

2009-05-21T18:11:00.007-03:00

Esse post é dedicado aos grandes projetos de intervenção urbana que usam fachadas como suporte para seu material virtual.

Elegemos 3 trabalhos com propostas variadas e excelentes resultados, que esperamos servir a todos como inspiração.

Today Art Festival, La Haya – 2006
De Maxalot

No centro de La Haya, o magnífico ajuntamento branco do arquiteto Richard Meier funcionou como espaço de galeria pública quando dez dos melhores designers gráficos e ilustradores do mundo usaram as enormes superfícies brancas da estrutura como tela. Com uma tequinologia de projeção de ultima geração duas instalações que incorporavam alguns dos projetores mais potentes do mundo, iluminavam o edifício com as obras criadas especialmente para a ocasião e desenhadas para encaixar com os elementos do edifício e assim converter a praça central da cidade em um espaço de exposição durante as noites que durou o festival. A instalação projetava imagens de 32m x 32m. As imagens da fachada eram mudadas a cada 15 minutos, de forma que cada desenho era mostrado 4 vezes em dois dias. Para cada desenho foi criada uma imagem usando quatro potentes projetores Harware Xenon DHX de 7000w com objetivos Reichman de 220 MM, cada um com slides de 18cm x 18cm, projetados em ambos os lados do edifício

*Retirado do livro ENCUENTRO ENTRE ESPACIO Y ARTE

Rundle Latern, a esquina dos LEDs, Austrália - 2009

Esta ação foi criada a partir de 748 painéis iluminados por LEDs, cubrindo 9 andares do estacionamento da esquina da Rundle Street com a Pulteney Street, em Adelaide, Austrália.

Alimentados por energia solar, a instalação custou 2 milhões de dólares e acontece todos os dias de 20h a 00h exceto sextas e sábados quando acontece até as 2h. O design é assinado pela Fusion, agência de inovação.

*Retirado do blog da Elisava

Rundle Lantern Launch from Fusion on Vimeo.

Artists themes for iGoogle - 2008

Este projeto celebra o lançamento da novidade da Google, o artists themes for iGoogle (artistas que desenharam temas para personalizar o seu iGoogle). Na interseção entre a Litlle West 12th, a Ninth Avenue e a Gansevoort, A Obscura Digital, de São Francisco, foi responsável por projetar, nas fachadas dos prédios, imagens em movimento, do arquivo de artes da iGoogle, por três noites das 22h as 2h. As fachadas do St. Hotel Gansevoort, Pastis, Theory e Inn LW12 serviram como tela para os trabalhos de Jeff Koons, Michael Graves, Yves Behar e outros. Numa tenda da Google, erquida na Gansevoort Square, os passantes podiam brincar com as imagens da central de computadores. Os trabalhos incluídos no arquivo giram em torno da discussão de como cada artista vê as mudanças que a internet está causando na indústria.

*Adaptado do site thecoolhunter

Escada Animada da Louis Vuitton de Roma

2009-05-18T18:52:00.002-03:00

Nos últimos anos a Louis Vuitton tem se destacado pelo seu esforço para incorporar uma arquitetura conceitual em cada uma de suas lojas, e para a nova loja de Roma, criaram, na entrada principal da loja, uma escada de tela de plasma que passa desde uma cascata de água até o padrão tradicional da Louis Vuitton.

O projeto foi desenhado pelo arquiteto Peter Marino.

outdoor interativo digital do MC'Donalds em Piccadilly Circus

2009-05-18T17:52:00.002-03:00

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Em Piccadilly Circus, em Londres, o McDonald's tem um outdoor virtual que estimula tanto a interatividade quanto o "marketing de guerrilha".

Brincando com o desejo irresistivel do ser humano de fingir interagir com coisas que não estão realmente alí, o outdoor apresenta, de forma ramdomica, coisas como guarda chuvas, bolas quicando e bolhas de pensamento. Tudo isso esperando que algum passante mais animado resolva se posicionar de forma que sua cabeça ou braços encaixem perfeitamente com a imagem para tirar uma fotografia espontânea.

* Retirado do Site www.thetrendwatch.com

Pink Plonk. Lembra da caixinha de música?

2009-05-16T18:38:00.007-03:00

Pink Ponk é o título da instalação criada por Chris O’Shea (designer Inglês) para o evento Transvision, idealizado com parte de um programa que visa integrar novas formas de arte à coleção do renomado Victoria and Albert em Londres.

O Coletivo Onedotzero foi convidado para assumir a curadoria do evento, integrando uma série de artistas no projeto Transvision (uma excelente abordagem para integrar à passado e presente no mundo da arte).

Plink Plonk from Chris O'Shea on Vimeo.

Com o desafio de preencher o antigo salão de música do museu (Norfolk Music Hall), Chris O’Shea propôs uma brincadeira que, como nos antigos salões de música do século 18, reunisse as pessoas para compartilhar experiências musicais. A escolha pelo uso das antigas caixinhas de música como suporte de interação é o que dá o tom poético para a mensagem do artista.

Pink Plonc é uma proposta interativa e colaborativa que respondeu muito bem ao desafio proposto pelo museu inglês, criando um sutil elo entre as experiências do passado e os anseios de interação do mundo contemporâneo. Pink Plonc funcionaria muito bem em diversos outros locais do nosso cotidiano.

O Céu de Heathrow

2008-10-02T10:45:00.012-03:00

A inauguração do Terminal 5 do Aeroporto Heathrow em Londres mostrou a importância da arte e da tecnologia como ferramenta de transformação de um ambiente, quando vários designers foram convocados a criar obras para compor partes da estrutura recém aberta na última primavera européia. Entre eles, os estúdios Troika, Christopher Pearson e El Ultimo Grito desenvolveram peças-chaves que acrescentam um novo significado ao ato de viajar, promovendo uma experiência diferenciada.

Cloud (nuvem) é o nome do trabalho de arte digital criado pela Troika para ocupar um dos espaços dos suntuosos lounges do Aeroporto de Heathrow em Londres. O chamativo objeto com forma de uma nuvem estilizada de 5 m de comprimento tem sua superfície coberta por 4638 “flip-dots” – discos com um lado prata e outro preto que se movem como em uma tabela de vôos dos terminais de aeroportos – controlados individualmente por um programa que altera sua aparência constantemente durante o dia (essa é a primeira escultura não-retangular que usa essa tecnologia). A obra se encontra pendurada no teto do átrio entre as escadas rolantes nos lounges.

Segundo os criadores da Troika, eles ficaram fascinados com a materialidade dos flip-dots (que foram comumente usados durante as décadas de 70 e 80 em aeorportos e estações de trem), com a forma que eles se movem de um lado para o outro e pelo som gerado por essas peças que remete, imediatamente, à idéia de viagem. Assim decidiram explorar esse potencial estético dentro do Cloud, que permite uma geração de ondas hipnotizante por simplesmente virar as peças para um lado e para o outro gradativamente, percorrendo toda a superfície do objeto.

O mesmo estúdio também foi responsável pelo display de 22m de comprimento chamado All the Time in The World (todo o tempo do mundo) que exibe vários horários de importantes locais ao redor do planeta, incluindo montanhas famosas (Everest, Fuji), museus mundialmente reconhecidos (Guggenheim, Louvre) e maravilhas naturais e construídas pelo homem (Grand Canyon, Taj Mahal). O horário local de Londres é exibido no centro em destaque e os outros horários estão dispostos de acordo com seus locais no mapa, o objeto reforça a idéia do relógio mundial que liga vários lugares do mundo e foge do redundante ao destacar locais mais diversificados do que as capitais mais importantes do planeta.

Já o estúdio Christopher Pearson criou a instalação Oak Seasons (temporadas de carvalhos) que consiste de seis telas de vidro com padronagens impressas a laser que descrevem o ciclo de crescimento dos carvalhos ingleses. Além das folhagens, é possível encontrar itens inusitados, tais como um semáforo entre as folhas, um balanço pendurado em um galho e uma folha que vai se transformando em um mapa de estrada. E o estúdio El Ultimo Grito desenvolveu o Kidzone, uma área que contem mobília colorida interativa e paredes magnetizadas coberta com figuras que permitem que as crianças possam brincar inventando histórias e personagens para passar o tempo de forma mais criativa.

Esse tipo de iniciativa permite explorar os ambientes de forma inteligente e com senso de humor e promove uma forma de interação diferente com as pessoas, aproveitando as características do próprio espaço para ir além e criar uma nova experiência.

JAM com Nokia Trends

2008-09-11T11:06:00.014-03:00

As festas Nokia Trends Mob Jam reiniciaram o circuito em julho desse ano, indo além do eixo Rio – Sampa, com edições em Floripa e Recife. A primeira delas foi na Clash em São Paulo.

A NOKIA possui uma proposta de comunicação vanguardista, dirigida a grupos sociais urbanos e contemporâneos. Por isso associa-se a projetos que abrem diálogo com esses públicos. Nokia Trends é hoje muito mais do que um grande evento, tornou-se uma plataforma que engloba diversas ações que conectam pessoas através da experiência musical no cenário de hoje e de amanhã.

Com a curadoria musical e produção da Ag. Norte e Cartaz, as festas contam com a participação de excelentes nomes da cena eletrônica internacional, sempre buscando uma interseção com outras linguagens como a vídeo arte e a arte interativa.

jam yourself from Mbaraka on Vimeo.

Nessa edição a Ag Norte convidou a M’Baraká para criar algo novo que permitisse a interação com som e imagem em tempo real. A partir de uma vasta pesquisa em cima de projetos de visual interfaces, os designers cariocas criaram uma instalação touch. Um totem com uma tela touch de 19” oferece três estilos musicais distintos: eletro, chill-out e hip-hop. Cada um deles permite a mixagem de faixas sonoras associadas a animações ricas e divertidas. A interface foi planejada para permitir uma real sensação de intervenção, e funciona! Muito bacana ver as pessoas grudadas no totem por longos minutos se divertindo.

D-Edge e Vegas em São Paulo, Clube 69 e Dama de Ferro no Rio são algumas das casas por onde o projeto passará.

Créditos:

idealização e design: M’Baraká

sound: Manga Jingle

programação: Miguel Athayde

Mensagens de Impacto

2008-04-16T14:38:00.012-03:00

A Troika se define como uma empresa que desenvolve inovadoras ferramentas de comunicação com uma nova abordagem de publicidade e branding, explorando o potencial das tecnologias e aplicando a criatividade e o design para, juntos, contribuírem para a geração de novos e atraentes formatos de comunicação. A abordagem tem como essência a simplicidade, e descontração, unindo tecnologia, design e arte, para gerar efeito provocativo e instigante em suas soluções de comunicação.

Um de seus produtos de mídia atuais chama-se SMS GUERRILLA PROJECTOR. Desenvolvido por eles, o SMS Guerrilla é um dispositivo que permite a projeção de mensagens SMS em espaços públicos, seja nas ruas, em cinemas, shopping centers, casas, fachadas, e mesmo em objetos e pessoas, a partir de um telefone celular e pequenos apetrechos feitos da recombinação de tecnologias já existentes, que permitem-no receber mensagens SMS e projetá-las.

Por ser imprevisível, e depender do usuário e da informação passada pelo mesmo via mensagem, acaba por convidar o espectador a refletir sobre que mensagens que emitir e tornar público. Num misto, a nosso ver, de arte urbana high tech, ferramenta de comunicação de guerrilha e ativismo inusitado, a ferramenta surpreende e causa impacto nos transeuntes.

No Brasil, já vi algo parecido no Nokia Trends de 2006. No lounge do evento, mensagens eram enviadas para uma central que distribuía as informações por “um céu projetado” , onde a constelação era formada por recados íntimos, mensagens de alegria, gritos de agito e outras tantas informações enviadas pelos participantes do evento. Pena que não achamos imagens na web… vale trabalhar a imaginação!

Aqui no Logorama também já postamos o Wall for Peace, uma instalação urbana, de cunho artístico e ativista, que divulgava mensagens de paz enviadas pelos usuários.

O que encanta nessas ações é a idéia de ter o usuário como fornecedor de conteúdos, usando o potencial das tecnologias para tal. Ferramentas de comunicação, tecnológicas ou não, mas que convidam o público a participar de forma criativa, são eficazes, envolventes e quase sempre surpreendentes!

Animated Wallpapers: Estética Não-Estática

2008-04-16T14:28:00.008-03:00

Nada de ambientes estáticos. Com uma idéia inspirada nos trabalhos de William Morris, até as paredes agora podem ganhar “looks” variados em poucos segundos graças ao projeto de Christopher Pearson. É o projeto Animated Wallpapers, que apresenta papéis-de-parede digitais, desenhados originalmente pelo Jeffrey and Co (em Islington, Reino Unido).

Além de propor diversas leituras poéticas, a imprevisibilidade e multiplicidade dos animated wallpapers possibilitam alterações nas relações subjetivas com o espaço. Um mesmo ambiente a transformar-se em várias ambientações.

Graças à tecnologia digital, torna-se possível oportunizar releituras para aspectos conceituais e de percepção, tanto naqueles que dizem respeito à previsibilidade de projetos de design (principalmente o de interiores), quanto aos que são remetidos às artes visuais.

Ao abrigar esta relação interativa de design, o local atrai a atenção de seus transeuntes, chamados a apreender e subjetivar as propostas artísticas-digitais renovadas a cada momento. Assim, as referências do local são transportadas: não são apenas mais inerentes somente a ele e caracterizadas por descrições “universais”), mas reapropriadas pela assimilação de quem observa os papéis-de-parede digitais.

Completamente alinhados às novas tendências contemporâneas, os animated wallpapers estão, assim, em sintonia com o nosso dia-a-dia dinâmico, modificando continuamente não só as imagens – e com elas, idéias de texturas – como também nossas sensações adquiridas com essa experiência estética.

WELCOME TRUST _ Uma instalação urbana RELEVANTE.

2008-03-04T19:53:00.012-03:00

O Lighting designer Paul Cocksedge preparou mais uma instalação nas janelas do centro de pesquisa médico Wellcome Trust, na Euston Road, Londres. Com o desafio de chamar a atenção dos mais de 1.8 milhões de transeuntes que passam diante da conturbado EustonRoad todo ano, Cocksedge optou por mostrar o óbvio. Segundo o artista: “A referência ao corpo humano é um símbolo de pesquisa em medicina, por mais óbvio que possa parecer. Meu interesse é mostrar como, ao fazer a pele tornar-se transparente – invisível – revela o “sistema” do braço, como num raio-x. A intenção é que as pessoas que passam pela Avenida, ao menos por um momento, tomem ciência de seu próprio corpo e continuem seu trajeto com uma clara associação entre a imagem e o Centro de pesquisa”.
A começar pela escolha da posição dos braços: abertos fazendo clara referência ao próprio nome e filosofia do centro (wellcome trust), até a sua escala, em perfeita harmonia com a arquitetura, a instalação é realmente emocionante. Sensibiliza e dramatiza com impressionante leveza a mensagem de um tema tão duro para muitos. Utilizando-se de um material elétrico especial, que permite que luz passe através dele, e com um toque faz com que a camada superior volte aparecer, escondendo as veias e artérias dentro dos braços.

Paul Cocksedge tem 29 anos e estudou Desenho Industrial na Universidade de Sheffield Hallam antes de entrar no Royal College of Art de Londres. Já expôs trabalhos no Design Museum e Powerhouse Museum) e seu trabalho faz parte da coleção permanente do renomado Victoria & Albert Museum.

Roda Skol – Brand Experience

2008-01-18T19:08:00.001-02:00

Dia 20 de janeiro inaugura no Forte de Copacabana, espaço com vista panorâmica do Rio, a já divulgada Roda Skol. O evento foi patrocinado pela cerveja “que desce redondo”, como uma das ações para fortalecer sua presença em eventos. O conceito da campanha: "Ta no Rio, Tá Na Roda? Tá Redondo!", que valoriza a amizade como uma das melhores coisas da vida. Trata-se de uma grande roda gigante, aberta ao público, que será a atração principal da ação de verão da Skol (que ainda vai incluir DJ’s, projeções audiovisuais, jogos e um bar temático cheio de atividade para todos os tipos de roda de amigos!). À noite, a roda transforma-se numa grande tela com vídeo arte de qualidade em uma escala impressionante.

O evento representa bem o tipo de estratégia de marketing de relacionamento que, cada vez mais vem sendo conhecida como Brand Experience, que valoriza a percepção que indivíduos e grupos têm das marcas a partir das “experiências” que as mesmas se envolvem ou promovem. O termo “experiências”, aqui, pode ser traduzido de diferentes formas como produtos, processos, serviços, eventos, ambientes, entre outros. Por abordar a percepção humana e de grupos sociais, e tentar capta-la e traduzi-las em valores, o Brand Experience, ao contrário dos convencionais projetos de arquitetura promocional, envolve necessariamente conceitos que vão além das cartilhas tradicionais do marketing e publicidade, exigindo uma compreensão global dos valores da marca e uma abordagem multidisciplinar para traduzi-los em n formatos.

É por apostarem em ir além desses quase “arcaicos” manuais da mídia tradicional, que alguns novos escritórios de criação têm ganhado espaço no estreito e concorrido mercado publicitário. Muitos deles têm o design como principal especialidade. Mas é a partir do diálogo com outras disciplinas e através de empreendedores de “cabeça aberta”, que essas novas empresas vêm se inserindo num mercado onde o “horário nobre” e os veículos de mídia tradicional vem dando espaço à criatividade das experiências.

No hall dessas empresas está a M’Baraká, empresa responsável pelo cenário do “brand experience” do evento Roda Skol, e cujo sobrenome, “Experiências Relevantes”, instiga os leigos com relação ao negócio da empresa, mas já atrai os antenados nos diferenciais do “experience”. Pelo foco no desenvolvimento de Brand Experiences, e aliando conteúdo, estética, marketing, a empresa foi convidada pela Dream Factory, agencia / produtora idealizadora do evento para conceituar o cenário e criar lounge, bar, vídeografismos, e demais elementos do evento, a partir de muita pesquisa e imersão nos conceitos da marca e das características do evento. Daí um conceito de projeto redondo: elementos da marca, unidos à vista da cidade maravilhosa, verão, descontração dos amigos, o jeito carioca de ser.

Em parceria com a Zero 2 Arquitetura, como resultado uma cenografia que expressa a irreverência da marca: na entrada uma projeção em grande esfera com imagens provocativas; mobiliários que convidam os visitantes a interação, um bar temático com uma giga garrafa skol, que poderia estar no barracão das escolas do grupo especial, jogos nas mesas e outras sutilezas.

Para ver ao vivo, é hora de entrar na roda, e aproveitar!

Roda skol – de 20 de janeiro a 09 de Fevereiro
Forte de Copacabana – Rio de Janeiro
Informações sobre o evento em: http://www.rodaskol.com.br/

idealização: dreamfactory
Cenografia: M'Baraká + Zero2 Arquitetura

Interatividade na Terra do Nunca

2008-01-02T17:52:00.000-02:00

O blog Interactive Architecture foi categórico ao afirmar que um bom teste para qualquer “instalação” – entenda-se, instalação de arte / entretenimento - é verificar como crianças respondem aos estímulos propostos. Outras vezes falamos sobre isso aqui no Logorama, quando postamos sobre a “Expo Se Liga”. Nela, chamou a atenção a forma como as crianças mergulharam na experiência lúdica-interativa, se esbaldando e explorando as possibilidades de forma intuitiva, sem a influência dos códigos de comportamento dos adultos e o excesso de preocupação em saber como, porque, com o quê...

É essa intuitividade que buscamos explorar quando propomos algo que flerta com o lúdico, o que é típico das instalações multimídias interativas. Para além da informação ou conteúdo intrínseco, muitas vezes o que importa é a fruição do gesto, quando não de outros sentidos, e sua inter-relação com a arte, com as alegorias resultantes da interação.

E é a liberdade das crianças, quando se permitem, sem travas, dedos, ou medo do ridículo, explorar as possibilidades dos ambientes interativos, que anima a criatividade dos desafiados a fazer instalações para este público e, serve de lição e teste para qualquer instalação que tenha por premissa explorar estímulos sensoriais.

Após essa não tão breve introdução conceitual, vamos apresentar um case de instalação infantil de cair o queixo. Apresentada Cinekid Festival, evento anual de produtos audiovisuais e multimídias diversos para o público infantil, a instalação Funky Forest, de Theo Watson and Emily Gobeille, roubou a cena no festival (e a gente já colocou um monte de imagem aí em cima, para ir dando um gostinho). Trata-se de um ecossistema interativo, onde as crianças criam plantas com seus corpos, a partir de gestos e movimentos, e, em seguida, devem fazer caminhos d’água a partir de uma cachoeira para manter a floresta viva. A saúde das plantas influem na vida dos demais seres da floresta, que se mantém saudável e fica mais bonita quanto mais se movimentam os pequenos.

Para nós logoramicos, o projeto, que continua em desenvolvimento para ser ampliado, tem a beleza de dialogar com as crianças, sem precisar dos chatos recursos de mediação dos adultos. Através da fantasia e dos estímulos sensoriais / participativos, transmite-se a idéia da conexão entre o “todo” e “cada parte”.

Dica: vale dar uma olhada nos links desse post, tem coisas inclriveis. Atenção especial p o site da moça, Emily Gobeille, motion graphics de primeira!

UAU – REVOLUTION!

2007-12-07T12:09:00.000-02:00

Psicodelia, Beatles, Design, Cirque du Soleil, e muito mais em L.A

Há um Beatles REVOLUTION recheado de inovações multimídias e tecnológicas sendo projetado em Las Vegas, por uma equipe de desenhistas de Montreal, sob o comando de Jean - François Bouchard, Diretor de Criação do Cirque du Soleil. O tema do espaço é os anos 60 e, portanto, optou-se por valorizar estética e conceitualmente elementos que remetessem á época - como a transição do preto e branco para cores, a representação do espírito do amor supremo, grafismos psicodélicos e objetos manufaturados.

REVOLUTION Lounge fica dentro do Abbey Road Bar. Para acessá-lo deve-se passar por um gigante painel onde pedaços de letras das músicas do quarteto de Liverpool anunciam o lounge REVOLUTION.

O espaço é dividido em várias pequenas salas, sendo o ponto central inspirado em nada menos que “Lucy in the Sky with Diamonds”... psicodélico??? Para completar o clima LSD, uma cascata suspensa com mais de 35 mil lâmpadas dicróicas ao redor do lugar.

A cultura material dos anos 60 está bem representada nos móveis: pilares, cadeiras, e demais elementos do mobiliário com curvas e linhas de sobra!

Prazeres para o deleite dos visitantes não faltam! Além do próprio ambiente 60’s / 70’s, jogos interativos dão o toque contemporâneo e completam a diversão. O som da noite também não fica atrás. Toda a atmosfera sonora segue a referência principal do projeto, os Beatles, e no ambiente da pista o número 4 foi simbolicamente representado remetendo ao quarteto, suas 4 fases, as 4 letras da palavra LOVE, e na própria trilha: Primeiro ouve-se Beatles, depois suas fontes de inspiração, em seguida quem foi por eles inspirado e no clímax, eletrônicos contemporâneos. Em cada “fase” do repertório da noite, uma iluminação: do preto e branco, colorindo-se gradualmente para um rosa-choque! Chocante!

Fora isso, animações e projeções por toda parte, muita interatividade e o resultado é um projeto completo, cheio de conceito, com diversão e arte, design e charme, unindo passado e futuro!

This is a revolution!

Projetar onde, como, com o que???

2007-12-07T11:46:00.000-02:00

Das perguntas do título deste post, talvez o “como” seja a tarefa mais difícil... Mas essa é, de fato, tarefa para engenheiros, técnicos, programadores, etc. “Onde” e “com que”, possibilitados a partir do “como” - resolvido pelos nossos amigos tecnólogos - tornam-se deleite dos criadores, que usam o “onde” e “com o que” de mil e uma formas!

Separamos hoje um exemplo nacional e um gringo, que, a partir de técnicas e tectrecos diversos, geram formas surpreendentes de projeção. Na água ou na fumaça, a criatividade é marca registrada desses projetos, e o queixo-caido do público é garantido, pois os resultados são realmente surpreendentes.

Quem esteve na cidade maravilhosa – apologias a parte – durante os jogos pan americanos, pode ver, num dos principais cartões postais da cidade, filmetes projetados em uma tela de água em plena Lagoa Rodrigues de Freitas. O projeto foi da Biruta Mídias Mirabolantes, empresa carioca que, como o nome já diz tem como negocio principal a criação de mídias não convencionais. O projeto se chamou Aqualume e foi patrocinado pela Petrobras e o resultado, para que não viu ao vivo, pode ser conferido no vídeo abaixo.

O exemplo gringo vem do estúdio Minimaforms, que se define como um escritório de design e arquitetura experimental, que explora projetos que provocam e fazem uso de novos meios de comunicação. Esse ano a provocação veio por sinal de fumaça... O OFFLOAD festival, em Bristol, UK, contou com uma instalação feita pela Minimaforms em que mensagens eram enviadas, literalmente, por sinais de fumaça. Nada de pajelança, mas sim, tecnologia de ponta! Em Smoke Signals, mensagens eram enviadas via SMS e projetadas, em grandes letras, em fumaças no céu, num efeito 3D impressionante. Confira nas imagens e vídeos!

Amazônia em Cannes

2007-11-07T16:09:00.000-02:00

Mais uma instalação interativa brasileira fora do país. A P&G criou um cenário bastante diferente para a apresentação da minissérie Amazonia, da Globo, na MIP COM (uma feira internacional de conteúdo de entretenimento para diversas plataformas de áudio-visual). O ambiente tinha árvores amazônicas e cheiro de floresta. Tinha também mais uma instalação interativa criada pela M’Baraká e produzida pela YDreams.

A Globo marcou sua presença em Cannes, levando conteúdo tupiniquim além mar, ao apostar com tanta força na mini-série Amazônia.

O pessoal da criação disponibilizou o multimídia para a gente colocar aqui. PASSE O MOUSE, PODE BRINCAR! As folhas se mexem, flores desabrocham e.... cuidado com o sapo.

A good tool is an invisible tool

2007-11-07T11:15:00.000-02:00

A good tool is an invisible tool. By invisible, I mean that the tool does not intrude on your consciousness; you focus on the task, not the tool. Eyeglasses are a good tool -- you look at the world, not the eyeglasses. The blind man tapping the cane feels the street, not the cane.

É assim que o artista dinamarquês Mogens Jacobsen abre a tela onde fala sobre a impressionante instalação Horbar.

Horbar é uma Instalação/ambiente interativo, onde se pode explorar uma grande seleção de audio art (todos provenientes da singela coleção do Museum of Contemporary Art in Roskilde, Denmark).

A Metáfora da garrafa foi escolhida com o intuito de facilitar a interação entre os visitantes da instalação, a intenção é socializar. Parece mais uma “sacação” conceitual do artista que entende muito sobre o universo das novas interfaces de exploração de conteúdos: as invisíveis.

Foi isso que nos despertou a atenção nesse post: a sensibilidade na percepção dos diferenciais implícitos nas novas possibilidades tecnológicas. O meio que pode possibilitar um alinhamento com o fim, um meio onde a ferramenta (hardware) desaparece, torna-se invisível e “nos liberta” da máquina, trazendo a interação de volta a referenciais sócio-culturais.

1 só Rio - Multimídia de Divulgação do Turismo

2007-11-06T16:30:00.000-02:00

A Secretaria de Turismo do Governo do Estado do Rio de Janeiro vem trabalhando uma imagem mais integrada do estado. No intuito de melhor explorar esse segmento, cujo Rio capital é referência internacional, o conceito da campanha é baseado num estado único, onde, tendo a cidade maravilhosa como porta bandeira, atrações das demais regiões são divulgadas, buscando maior permanência do turista no Estado, e melhor distribuição dos seus gastos.

A partir do slogan : “Só existe um lugar com tantas atrações únicas. Só existe um Rio”, a M’Baraká foi convidada a desenvolver multimídia para divulgar a campanha em feiras e congressos. O conceito visual utilizado para comunicar a unidade de tantas atrações e belezas foi uma linha colorida que passeia pelos principais pontos turísticos e referências simbólicas do Estado, como as igrejas do interior, a pescaria do litoral, o Dedo de Deus, os Arcos da Lapa, entre tantos outros. A animação, o áudio e as imagens das atrações ajudam a tornar ainda mais sedutora a idéia de umas boas férias nos roteiros do estado do Rio.

O resultado ficou bacana, e resolvemos postar aqui no blog por entendermos as interfaces multimídias digitais como excelentes formatos de comunicação de conteúdos.

Clique para ver a animação.

Créditos:

Design / Conteúdos: M’Baraká
Áudio: Manga Jingle

Cubos Interativos Etc.

2007-10-26T11:03:00.000-02:00

Cubo é um filme canadense do diretor Vincenzo Natali. Nele, um grupo de pessoas estão presas em um grande cubo, formado por vários cubos, cada um com seis portas, formando um grande labirinto. Todas as salas são cheias de armadilhas e o grupo deve driblá-las e tentar achar a saída da prisão cúbica. Ficam o filme todo nessa saga para sair dos cubículos. Como fez nossa fonte, o site pixelsumo, achamos por bem começar dando esse gostinho de Cubo - filme muito louco, que explora as potencialidades de uma arquitetura ficcional em formato de cubos e mais cubos – para apresentar dois projetos que tem o Cubo como elemento importante na interface.

O primeiro tem conceito bem parecido com o filme.

Desenvolvido por Julian Oliver, a partir de tecnologias de realidade aumentada, ao colocar o cubo em frente a uma webcam, você se verá dentro de um ambiente 3D. Ao mover o cubo, vai-se de um ambiente à outro, como no filme. O jogo consiste no jogador lembrar que porta leva a que quarto, levando o jogador ao ambiente final. Ao conseguir, passará ao próxima nível. O jogo esta sendo em desenvolvimento em plataformas de software livre.

Já Andrew Fentem criou Fentix Cube um cubo de LED. Nele, jogos como quebra-cabeça, estarão integrados ao dispositivo e à interface. O dispositivo será vendido em edição limitada no Kinetica Museum. Não fica muito claro como funciona no vídeo. Mas esteticamente é bem sedutor.

Saindo do assunto de cubos, e aproveitando a deixa do post acima, Andrew Fentem, tem outros trabalhos muito interessantes. Em parceria com o Novation EMS Ltd. criou instrumentos sensoriais, que geram sons eletrônicos, a partir de sensores. Os instrumentos foram expostos no Kinetica Museum. No vídeo, um sintetizador interativo. No site do moço, muito mais coisas.

Arte, Diversão e Conteúdo na Web

2007-10-18T14:46:00.000-02:00

A web, com seus múltiplos recursos, permite o crescimento de uma estética própria, pensada para esta interface. Seja para projetos publicitários seja para expressões artísticas ou para projetos culturais, pode-se notar o uso deste meio e seus recursos de forma cada mais criativa e com grande apelo estético.

Em publicidade, podemos destacar o site que a Nokia bolou, o Nokia Music Roons. Com elementos de game, recursos de multimídia de alto nível e MUITA criatividade, o site une conteúdo e entretenimento para conquistar a simpatia dos consumidores – tudo isso bem vinculado à marca, que vem provando que “a música nos conecta”. Nos quartos se tem acesso ao second life, download de musicas e uma festa num dos apartamentos.

Nokia Roons

O jogo de tabuleiro “Get the Glass”, animação 3D brutalmente realista, é uma boa opção para passar o tempo como nos velhos tempos, mas na rede. A campanha – claro que é campanha! – é da Real California Milk, industria de laticínios da Califórnia, que brinca com a idéia de uma cidade onda há escassez de leite.

Game Get Glass

Há diversos outros sites de campanha interessantes pela web, mas vamos falar um pouco também de arte. Vem crescido a quantidade de “instalações para web”, obras artísticas pensadas pela esse meio. O exemplo do dia é o Whish Projetc. Instalação onde se posta e se vê desejos.

Whish Projetc

Festival de Arte Digital - FAD 2007

O Festival de Arte Digital – FAD, que aconteceu semana retrasada em BH, mostrou outros projetos do gênero, de artistas nacionais e internacionais, o que nos permite dizer que esse tipo de obra começa a ser tratada como tal. Há, além de instalações de web, outros tipos de iniciativas virtuais que podem ser explorados no site do festival.

Na linha dos projetos criativos, vamos destacar hoje o site We Feel Fine . Com uma interface um pouco confusa (mas depois que se aprende, flui), e uma estética visual impressionante, o site é uma idéia maluca de coletar dados e reproduzir os sentimentos de pessoas de todo o mundo expostos na web.

O "gráfico" acima representa a quantidade de pessoas que sentem “different” e expuseram isso em blogs de todo o mundo em 2007.

Já este, se refere a algumas imagens postadas com o tema “different” ao redor do mundo.

A web como interface e meio, esta cada vez mais promovendo uma linguagem própria, com peculiaridades que a fortalecem como meio expositor de arte.

Expoentes do Light Design

2007-10-09T12:55:00.000-03:00

A “Dazed Digital” recentemente publicou três documentários sobre artistas que trabalham com luz. Entre estes estão Jason Bruges e a “United Vissual Artists”, os quais já foram citados inúmeras vezes pela Dazed Digital como produtores de varias instalações para exposições e galerias, assim como ambientes públicos, mobiliários e fachadas de edifícios – vale a pena conferir ambos os sites.

Se você sempre se perguntou o que acontece por trás dessas instalações, que tecnologias são utilizadas e o porquê dessas empresas e artistas estarem no centro da cena dos projetos Light Design, os dois primeiros documentários da série cumprem este papel. Já o terceiro, é uma visão mais pessoal de um artista independente, David Batchelor. Suas peças que fundem arte e luz exploram o conceito de cor como um único fenômeno: a cor como algo onipresente nas experiências do dia a dia, e sua transcendência funcional e estética na criação de simbolismos.

Separamos pequenas demonstrações do trabalho de cada um desses artistas / coletivos:

James Bruges

Jason Bruges tem um vasto portifólio de trabalhos com luz – de instalações de grande porte a iluminação de interiores, passando por projetos mais completos que unem estética e conteúdo em torno da luz. Em seu site, pequenos textos e muitas imagens de seu trabalho, que deixa claro seu conhecimento das diferentes tecnologias úteis ao light design.

United Visual Artists

O estúdio United Visual Artists une três disciplinas principais: o conhecimento artístico, o design e a engenharia de software, a fim de gerar experiências imersivas em tempo real (interatividade). A proximidade com a engenharia de software permite ao escritório o desenvolvimento de projetos inovadores em termos tecnológicos e de grande impacto artístico.

David Batchelor

Já a obra de David Batchelor, Professor da Royal College of Art, de Londres, tem como característica a mistura de cores e texturas e na utilização de objetos dos mais variados - de trens industriais e ferro a sinais de trânsito descartados e luminárias comerciais. Conceitualmente, David Batchelor trabalha com as cores, particularmente sua interação com o ambiente urbano moderno. Sua relação com a aplicação das cores em arte está também em seu livro Chromophobia, publicado em 2000 (sem versão no Brasil). David Batchelor já esteve em terras tupiniquins, na Bienal de 2004.

Os três documentários podem ser vistos em Danzel Digital - Seduced by Light

Reprojected - Instalação Urbana

2007-10-09T12:26:00.000-03:00

Reprojected (Re-projetando) está atualmente em exibição em “Seven Screens”(Sete Telas) em Munique, uma instalação que consta de sete painéis duplos de LED, cada um medindo seis metros de altura. Fazem uma releitura do que esta ocorrendo no local.

Ao contrario do que acontece normalmente, “reprojected” se foca em uma visão mais distanciada, se focando exclusivamente nas sombras de pessoas computadorizadas. Elas só são visíveis devido ao uso de uma fornte luminosa, que se mexe no espaço virtual entre os painéis.

As imagens projetadas nas “Seven screens” brincam com a percepção do espaço ao redor e introduzem uma distancia entre os eventos que estão ocorrendo e a instalação.

Como instalação urbana, Reprojected é altamente impactante.

via: Mader|Stublic|Wiermann e Media Architecture

Energia. Minha, sua, de onde vem?

2007-10-02T19:08:00.000-03:00

Segundo o pessoal da M’Baraká (produtora de design, conteúdos e interatividade): “Foi em Setembro de 2005 que iniciou-se a produção dessa que seria nossa primeira aventura no universo da criação e produção utilizando as bases da tecnologia de motion capture. Nada era muito preciso, mas tínhamos uma boa idéia de experiência virtual na cabeça e a sólida experiência de um grupo português de inovação em tecnologias interativas”.

Na sala escura reservada a essa instalação, ao som de um zumbido misterioso, nada se via. Ao pisar na área da projeção, um halo roxo gerado por linhas concêntricas formava-se a sua volta. Quando outro visitante entrava na área projetada,um raio te ligava a essa pessoa. O que dizer dessa sensação? Segundo a produtora, a intenção era falar de energia de uma forma lúdica, divertida, mais sem compromisso com a veracidade dos processos científicos que a geram. Mais especificamente, trata da questão da transmissão da energia. Poéticamente traz à consciência a potência da nossa energia e a relação desta com o outro.

A experiência é realmente arrebatadora, um exemplo de instalações interativas mais imersivas que já vivenciamos. O mais legal foi ver a reação das pessoas: muitos duvidavam daquela possibilidade tecnológica – teve gente rezando e tudo. Foram as crianças que realmente mergulharam na experiência, despreocupadas com o meio que gerador da coisa, aproveitaram de verdade!

A Mostra - intitulada SeLiga, De Onde Vem a Energia? - deu resultado, proporcionando a muitas crianças uma experiência lúdica que, através da arte interativa, explicou de onde vem a energia. Por seu diferencial artístico e inovação tecnológica, levou o projeto a capa do Globinho.

Esperamos ver essa mesma instalação em muitas outras mostras de arte e tecnologia aqui no Brasil.

Idealização e Direção: M’Baraka Tecnologia: YDreams Design: Visorama Sound Design: Manga Jingle Fotografia: Gustavo Cassano

Blooks - Tribos & Letras na Rede

2007-09-27T11:53:00.000-03:00

Para os que não tem tempo (paciência) de ler o relato completo da experiência, resumimos em poucas palavras:

A mostra Blooks é uma imersão no universo polifônico, democrático, labiríntico, ecoante, excessivo que é a internet. Mostra esse momento, quando é a vez da histórica platéia subir ao palco. Momento quando, reinterpretando Barthes, o autor não morre, mas se multiplica. Agora exponencialmente, pois tem ouvidos e voz. E ecoa.

Blooks propõe essa experiência.E é impressionante o resultado.

Alguns logorâmicos foram essa semana ao Oi Futuro, espaço carioca que tem super a ver com as questões que a gente aborda por aqui. Por ser um dos únicos espaços culturais do Rio (ou o único mesmo), dedicado à arte tecnológica, arte interativa, multimeios e etc, nós estamos sempre passeando por lá.

O espaço tem uma boa programação e apresenta muitas obras interessantes, mas o que nós logorâmicos sempre questionamos é um certo descuido de curadores na contextualização das obras. De um modo geral, achamos que as obras interativas, vídeo arte, multimieos, como ainda não são íntimas do grande público, aumentam o seu potencial de diálogo se bem contextualizados, projetados. Isso pode ser feito de diferentes formas, com recursos diversos de design, cenografia ou mesmo recursos de audio e outras possibilidades criativas: tudo o que possa contribuir para instigar os sentidos e provocar a redenção do participante à experiência.

Dessa vez que fomos lá, duas surpresas: a exposição dos “babilaques” de Wally Salomão está uma excelente. Sem nenhum recurso tecnológico / digital, a exposição impacta e leva o expectador àquele mundo poético e polissêmico do saudoso Wally.

Mas foi subindo mais um andar que tivemos nossa grande surpresa: a mostra “Blooks - Tribos & Letras na Rede”. O texto da exposição introduz à experiência. Não o temos na integra, mas ficou na memória a relação que faz entre as mil vozes, o espaço do muito, do excesso, os diversos hoje de hoje, a viagem hipertextual e polifônica da rede, que ecoa a partir da apropriação dos usuários e da chamada web 2.0.

Coordenada por Heloísa Buarque de Hollanda, com a curadoria é de Bruna Beber e Osmar Salomão (coincidentemente, filho de Wally), a mostra é sobre os mais de 200 blogs brasileiros de prosa, poesia, quadrinhos, grafismos e conexões entre letra e música. Apresenta as peculiaridades desta produção e quer discutir esse novo formato, as novas poéticas (que tanto falamos aqui), da arte literária que surge na web.

A experiência é um mergulho! O áudio, a cenografia, o cuidado no design, a curadoria. Cada detalhe amplia a impressão de estar de fato numa experiência estendida dessa que fazemos diariamente: estar na rede, em rede, neste espaço de intimidades impessoais, de transparências opacas, de fluxos indefinidos.

Foi arrebatador! Mesmo. Um detalhe curioso, que completou o ineditismo da situação, foi o segurança do espaço, que caiu na rede. Durante todo o tempo que ficamos lá, ele voltou cerca de 5 vezes para mais um mergulho. E navegava pelas marés inconstantes e reveladoras dos diversos blogs que podiam ser acessados em plasmas espalhados pelo espaço.

O conjunto da visita foi inesquecível. Os logorâmicos recomendam. Até esse fim de semana (30/09).

INTERACTIVE APPLE STORE BERLIN - Uma instalação no PDV bem pensada.

2007-09-27T11:19:00.000-03:00

A instalação para Aplle Store foi desenhada como parte das vitrines que dão para a rua: três projeções com imagens de dançarinos interagem com quem passa diante da loja. Provavelmente mais uma façanha da tecnologia motion capture, que identifica os transeuntes através de uma câmera, processando as imagens e animações a partir do posicionamento dos mesmos. Com uma estética bastante ipod, fotografias em tons escuros residem sobre um fundo ácido de amarelos, verdes e pinks. A experiência parece bastante expressiva. Capaz de fazer alguém dançar no meio da rua. A mídia interativa que desperta o gesto humano em improvável interação com o mundo artificial fascina. E ganha ainda mais pontos quando o faz através de estímulos mais nobres como a arte.

Mostra, sobretudo, que no ponto de venda há espaço de sobre para, além de novidade tecnológica, expressões artísticas mais coerentes e visões de marca menos agressivas.

Depois a gente fala sobre a loja.

Touch of Kandinsky

2007-09-19T12:51:00.000-03:00

Touch of Kandinsky é um tapete interativo concebido com um objetivo: aumentar a compreensão da arte abstrata, especialmente para crianças e visitantes não habituais de galerias de arte. A instalação é uma releitura e aplicação prática dos escritos de Kandinsky quando defende o conceito de sinestesia, ou seja, a inter-relação entre dois planos sensoriais diferentes, por exemplo, a capacidade de ver o som e ouvir a cor.

O tapete, inspirado na obra “group” de 1937, explora as possibilidades interativas contemporâneas em relação aos conceitos defendidos pelo artista. Toques em diferentes lugares geram diferentes sons, especialmente criados a partir da inspiração na obra de Kandinsky.

Trata-se de uma experiência imersiva que contribui para atrair e sensibilizar para as artes plásticas. Com os sentidos afinados, em pouco tempo os novos visitantes de museus devem estar aptos a penetrarem sozinhos nas maravilhas da experiência estética.

Via: Interactive Institute

Arte para toda Parte (2) – Cidade-Tela

2007-09-19T12:31:00.000-03:00

Não temos muito que falar sobre esse post. Encontramos por acaso, pesquisando sobre arte urbana. Após passar por “n” sites, encontramos esses colossais monumentos urbanos que alegram a paisagem de algum subúrbio de Moscou. A única referência às imagens foi um texto no próprio site em que estavam, onde o autor revela sua certeza de que o descontraído colorido é capaz de reanimar o povo que sofre com o longo e rigoroso inverno...

“Here is the sample of Moscow city distant suburb.

As an experiment the dull gray houses were painted to different colours. From my point of view it’s really amazing isn’t it?

In Russia where is in winter sun is a very rare thing such kind of art might keep the winter depression away. For instance this fall-winter there were no visible sun in Moscow for more than 30 days. Due to this it was reported that a lot of people simply refuse to go to work because of an enormous depressive state they were in.

Maybe such urbanistic art would keep the depression away."

Via: English Russia » Real Urban Art

Multimídia à moda antiga e “A obra de arte na era da reprodução mecânica”

2007-09-19T12:09:00.000-03:00

Multimídia são múltiplas mídias. Engana-se quem intuitivamente acaba relacionando o termo exclusivamente às mídias digitais. Os diferentes suportes, as especificidades de linguagens, podem se misturar de várias formas para compor o termo multimídia.

Dito isso, esse post é dedicado a um artista que há muito brinca com a relação entre as linguagens e os suportes. Eli Sudbrack que já usou e abusou de diferentes suportes e mídias, entre postais, outdoors e camisetas. Atento aos movimentos de seu tempo, e mesmo antecipando-se, Eli modernizou-se e ficou milionário ao vender suas obras em CD, em arquivos de illustrator, acompanhados muitas vezes por músicas e vídeos.

Esse ano, Eli, que vem assinando como Assume Vivid Astro Focus, esteve em cartaz em Nova York, na John Connelly Presents. Eli já expôs na mesma galeria na exposição "K48 – Teenage Rebel: The Bedroom Show", que reuniu trabalhos de 80 novos artistas sobre o universo adolescente. O novo suporte que vem explorando são papéis de parede.

Segundo o artista, as obras de K-48 (acima), são sobre “celebração de prazer, ... de momentos que provocam um estado psicodélico de delírio e êxtase”. Bem representando pela explosão de cores e formas.

Já em sua mostra atual, “A Very Anxious Feeling” (fotos abaixo), o artista cria ambiente, usando novamente os papeis de parede, sob uma nova ótica. Nessas instalações, chamadas 3-D wallpaper, Assume Vivid Astro Focus trabalha ambientes, faz uso de mascaras que revelam efeitos 3-D, mas estimula também uma experiência bidimensional. Assume usa e abusa de grafismos, musica, néon e luz, esculturas, numa experiência multimídia e multidisciplinar que exige a performance do público.

Talvez Assume Vivid Astro Focus venda parte de sua obra em arquivos gravados em CD novamente. Mas sua arte está na experiência. Pode-se reproduzi-la? Talvez. Ou mesmo reinventá-la.

O que provocamos aqui é a relação que o artista tem com a obra, com sua experiência e sua forma de distribuição. Retomar a antiga dicotomia entre a “exclusividade” da obra, como resultante de um momento único de expressão sensível e estética, em contraponto com sua produção em série. Como muito bem colocado num dos blogs que acessamos para fazer esse post, retoma-se em grande estilo a discussão de Walter Benjamin em “A obra de arte na era de sua Reprodutibilidade Técnica". Porém, vale refletir se o que vale é o suporte e a reprodução do resultado em si ou o ato criativo, único e irreproduzível.

Fica a reflexão...

Mais sobre o asusnto em:
Érika Palomino
Book of hours

Arte, Cultura, Arquitetura e Sustentabilidade – Tudo ao mesmo tempo agora!

2007-09-14T10:50:00.000-03:00

Kubik é uma instalação open-air que une arquitetura, luz e música, e um conceito sustentável, fazendo uso de materiais recicláveis. Trata-se de uma boate itinerante, feita por 275 tanques industriais empilhados e iluminados, que formam uma imponente estrutura, com forte impacto estético. Dentro do cubo, o público experimenta a instalação, cuja intensidade e movimento da luz muda de acordo com o ritmo da música.

O projeto foi lançado em Berlim mas ainda vai passar por outras cidades da Europa. O conceito de uma arquitetura temporária com conteúdos culturais e materiais recicláveis foi o briefing do projeto Kubik, muito bem desenvolvido pela Balestra Berlim, Modulorbeat e o LightLife. Um execelente exemplo da potencialidade de projetos multidisciplinares – o que nós, logorâmicos, buscamos para apresentar aqui!

Via: Design21

Wired Next Fest - Experience the Future

2007-09-14T10:31:00.000-03:00

Wired Next Fest é uma feira de quatro dias de duração nos EUA sobre tecnologias que estão transformando o mundo hoje. Esse ano a feira acontecerá em Los Angeles é trará mais de 160 exposições interativas de cientistas e pesquisadores do mundo todo. O evento aborda diversas áreas como: entretenimento, exploração, saúde, games, robótica, design e sustentabilidade. Conta com a participação (patrocínio) de empresas como Discovery Channel, GE, Virgin, Hitachi, dentre outras grandes multinacionais.

Nós logorâmicos estivemos por lá no ano passado na edição de NY. É realmente impactante, principalmente porque os recursos disponíveis na terra do Tio San são bem diferentes do que vemos por aqui. Vimos uma palestra sobre a nave espacial da virgin galactics - é impressionante como eles conseguiram transformar a viagem em uma experiência de marca: segura, confortável e inesquecível. Há sempre muita projeção interativa, projetos artísticos de nível. Nesse ano a entrada do evento contará com uma instalação desenvolvida pelo estudio Novaiorquino Trollbäck + Company. Fazendo uso de uma nova tecnologia de LEDS (MiTRIX, que parece explorar pontos em 3 dimensões). Vale a pena conferir, uma pena que não poderemos passar por lá esse ano... quem passar, mande notícias: logorama@logorama.com.br.
Abraços,

PLAY.Orchestra

2007-09-11T14:49:00.000-03:00

PLAY.orchestra é uma instalação na entrada do South Bank Centre que recria o ambiente de uma orquestra. Com 60 assentos, a idéia é que os visitantes possam experimentar cada instrumento e a relação com os demais, de acordo com o local onde sentam, bem como da disposição dos demais participantes. Cada banco remete a um instrumento e tem seu som ativado quando alguém se senta. Conforme as pessoas vão se sentando, composições vão sendo reveladas.

Como cada arranjo de pessoas gera uma composição sonora, estimula-se a gravação com o celular. Pode-se plugar o celular e receber ring-tones da experiência. Além disso, o celular pode interagir com a instalação e ajudar a criar novas composições.

O projeto conta com a colaboração da Philharmonia Orchestra de Londres, que quis promover seu site, onde o público pode fazer upload e download de música. A partir do uso de tecnologia wireless, a instalação permite que o público atue de forma participativa, podendo fazer upload, download e ainda participar das apresentações “live” que ocorrem aos sábados.

O projeto estimula o conhecimento da sonoridade dos instrumentos e da disposição da orquestra, sendo uma ótimo excemplo de associação entre cultura, entretenimento, tecnologia e educação.

“Layers of life” – Arquiteturas móveis e conceituais

2007-09-11T10:50:00.000-03:00

“Layers of life” é um conceito de instalação da ag4 para o projeto arquitetônico de Helmut Jahn. A instalação combina elementos naturais como água e cera, com paredes espelhadas e uma programação multimídia. Conceitualmente, a instalação remete à complexidade da biotecnologia, ciência que se alimenta de varias outras disciplinas. A parede representa, de forma abstrata, o código genético. Os displays de mídia se fundem, apresentando textos, imagens e vídeos, que tem a função de transmitir mensagens e emoções e a instalação como um todo simboliza o desenvolvimento e o futuro.

A instalação é formada por 138 blocos de cera em 360 metros quadrados dispostos em cinco andares, que, misturados ao vidro – em antítese, como diz o conceito do projeto – formam a estrutura da instalação. O uso da cera de abelha, além de estético, tem forte função conceitual no projeto. Nas colméias, ele serve, entre outras coisas, para o fluxo da informação dentro da colônia. Da metáfora comunicativa do material, a instalação apresenta uma comunicação multimídia, interligada e complexa.

Via: Media Architecture

Tatuagem de Luz

2007-09-11T10:42:00.000-03:00

O designer Kyeok Kim inovou em suas jóias ao brincar com jogos de luz no corpo. Sua coleção “Aurora” são braceletes, anéis e colares e outros ornamento com delicadas formas em recorte que, de acordo com o movimento, criam delicadas tatuagens de luz no corpo.

O funcionamento se dá através de um imã pelo qual se regula a direção da luz. O efeito é surpreendente e delicado. Aurora faz parte da coleção “The sensory Wearable” do designer, que ele define como algo que pretende traduzir as emoções através de uma ornamentação mais sensorial.

Via: Yanko Design

Diversão e Arte para toda Parte!

2007-09-11T10:18:00.000-03:00

Que todo mineiro gosta de uma boa pinga, todo mundo sabe. Isso se reflete na imensa quantidade de botecos que tem na cidade, com fiéis freqüentadores. Unindo o útil ao agradável, surge o festival Comida di Buteco de BH, que esse ano teve sua sétima edição. Aliás, a comidinha mineira é considerada por muita gente a oitava maravilha do mundo...

Mas apesar de dar água na boca, não é esse o assunto principal para esse blog. Ocorre junto ao festival, a primeira edição do projeto “Arte no Banheiro”. A idéia é aproveitar o espaço do banheiro e utilizar – e mesmo questionar as possibilidade de uso – desses espaços.
Há algum tempo a publicidade já vem se aproveitando dos espaços de banheiro como ponto de mídia. Afinal, quem, numa rodada de cerveja ou pinga, ou num jantar, não passa pelo menos uma vez no W.C???

O post é um pouco atrasado porque o festival acabou dia 28 de maio. No entanto, achamos valido postar o tema para divulgar a iniciativa, que deve ser repetida ao que vem. Diversos artistas participaram da mostra que contou com suportes diversos como: instalações, fotografias, desenhos, pinturas e esculturas.

Excelente idéia! Afinal, a gente quer comida, diversão e arte, para toda parte!

O Sonho de Foucault

2007-08-30T15:35:00.000-03:00

“Sonho com uma nova era de curiosidade. Temos os meios técnicos para tanto; o desejo está aí; as coisas a serem conhecidas são infinitas; existem as pessoas que podem se empregar nesta tarefa. De que sofremos, então? De muito pouco: de canais que são muito estreitos, frágeis, quase monopolistas, insuficientes.”

Michel Foucault, Le philosophe Masqué - 1980

O sonho de Foucault era a multiplicação dos canais e das possibilidades de comunicação e troca. A ausência de uma verdade definitiva, considerando que o conhecimento, a informação, a própria verdade, estão em constante mutação. Isso tem haver com a idéia de uma sociedade com maior autonomia sobre o que conhece – e o que pensa. Onde é possível selecionar, discernir, discordar debater... Descobrir. Ser, enfim, curioso na infinita tarefa da busca pelo conhecimento.

A internet, a interação em rede, nos dá ferramentas para colocar esse sonho em prática. Nunca antes o conhecimento transitou por tantas vias. Na rede, em seus milhares de nodos, o alcance é exponencial. O virtual é um ambiente de latência.

Adeptos dessa idéia, lançamos o blog da M’Baraká. Queremos trocar idéias, divulgar iniciativas, comentar o que rola por aí.... Dividir para multiplicar!

Semanalmente teremos novos posts. Comentem, divulguem, compartilhem a vontade.

Embalagens do Futuro para Tetra Pak (Displays Interativos)

2007-08-30T15:28:00.000-03:00

Há cerca de dois meses, a Espalhe – agência de Marketing de Guerrilha – convidou a M’Baraká – produtora de design, conteúdos e interatividade – para desenvolver uma ação de guerrilha no stand da Tetra Pak na Fispal Tecnologia - a maior feira de alimentos da América Latina. O mote da ação era o conceito: embalagens do futuro, criado pela Espalhe (Você pode até não saber como serão as embalagens do futuro, mas já sabe quem vai inventar).

À M’Baraká coube o desafio de desenvolver interfaces que fizessem o público se sentir num supermercado do futuro, e que o permitisse experimentar as tais embalagens, que talvez estejam nas prateleiras de um tempo não muito longe daqui.

A partir de um briefing com os conceitos principais dos produtos, foi desenvolvido um suporte de mídia interativa, representando uma gôndola do futuro, onde os visitantes deveriam interagir com uma grande tela Touch Screen para desvendarem as surpresas dos produtos e embalagens da era Minority Report. Displays multimídias são excelentes suportes para a comunicação de conteúdos de forma exploratória e lúdica, permitindo uma exploração bem diferente das mídias convencionais.

A “brincadeira” da Tetra Pak na Fispal gerou muito boca a boca e comunicou com sucesso o conceito da campanha.

File - Festival Internacional de Linguagem Eletrônica

2007-08-30T15:22:00.000-03:00

Acontece em São Paulo o FILE – Festival Internacional de Linguagem Eletrônica, de 13 de agosto a 9 de setembro, no Espaço Cultura Sesi Paulista. O Festival reúne trabalhos interativos diversos, como Net-Art, Vídeo-Instalações, Games, Performances Robóticas, Trabalhos de Hipermídia, Ações Telemáticas, Inteligência Artificial, Cinemáticas Interativas, Realidades Expandidas, entre outras denominações para as possibilidades digitais.

O Festival contou com simpósio, que ocorreu apenas entre os dias 14 e 17 de agosto. A discussão girava em torno de dos impactos das novas tecnologias de criação e comunicação na sociedade. Nos mesmos dias aconteceu o Hipersônica, evento que discute a relação entre música (sonoridades) e tecnologia.

Para quem passar por Sampa nas próximas semanas, vale conferir o evento, que aconteceu no Rio, em março, no Oi Futuro em versão reduzida. Ver as instalações fomenta a discussão sobre a nova poética artística que surge no ambiente digital. Coisa que falaremos bastante por aqui.

Wall for Peace

2007-08-30T15:14:00.000-03:00

Um monumento para promover a paz e a tolerância cultural, capaz de conectar pessoas em escala global. Esse era o briefing do governo Francês para a comemoração do ano 2000.

A solução criada pela designer Clara Halter e pelo arquiteto Jean-Michel Wilmotte é uma estrutura de vidro, aço inoxidável e madeira, com referencias à palavra paz em 32 línguas. “Wall for Peace”, ou "Mur pour la Paix" foi livremente inspirado no muro das lamentações de Jerusalém e, esteticamente transmite o conceito de paz. Já o requisito da conexão global, é o que o torna mais interessante: através do site, qualquer pessoa de qualquer lugar do mundo pode postar mensagens que podem aparecer na grande instalação urbana.

O briefing foi atendido e a instalação é um bom exemplo do que pode ser feito em termos de arte urbana contemporânea. O conceito do projeto foi replicado pelos criadores em São Petersburg (2003), chamado “Peace Tower”; e em Hiroshima (2005), com o nome de “The Gates of Peace” em referência aos 60 anos da bomba de hiroshima.

Que por aqui também nossos designers, artistas, produtores, governo e patrocinadores apostem em idéias mais inovadoras para que a criatividade e a arte possam ter mais liberdade de “darem as caras nas ruas”!

A velha High-Tech – Fanta Play combate os inimigos da diversão!

2007-08-30T14:56:00.000-03:00

Sabe-se lá porque a velha é a proprietária da disputa entre o xiszinho e a bolinha. Talvez seja porque a ranzinza quase sempre ganha. O que a gente sabe é que, pelo menos desde os tempos da vovó, o jogo da velha é um dos mais populares passatempos. Também é verdade que, mesmo com o alto percentual de invencibilidade da velha, o jogo dela é até divertido – e, o melhor para as categorias passatempo, é que é fácil, rápido, e deixa sempre uma vontade de tentar ganhar a velha mais uma vez.

Por isso mesmo, o jogo é ótimo para situações onde não há mais nada a fazer, a não ser, passar o tempo. No dia a dia, constantemente passamos por essas situações de ter que fazer hora, esperar. E uma delas, que é tão clássica quanto o jogo da velha, é aquela “mofada” no ponto de ônibus...

Dito isso, voltemos aos assuntos desse blog – que aliás, prometemos tentar ser um prazeroso passatempo. A propaganda da Fanta atualmente é uma turminha de bonequinhos que faz várias intervenções no cotidiano urbano. Tem ares high tech com um toque retro, e é mundialmente intitulada de “Fanta Play”. Trata-se, como diz o site da coca-cola company, de uma “proposta de inspirar as pessoas a usarem a imaginação no combate aos ‘inimigos da diversão’, encontrados nas obrigações, regras e responsabilidades do dia-a-dia”.

Esse post, que parecia sem pé nem cabeça, está ficando mais claro agora??? Para esclarecer de vez, vamos revelar o quê que isso tudo tem a ver...

Por essa a velha não esperava! Se antes o jogo da velha precisava de caneta e papel, ou, ao menos, de um chãozinho de terra e um graveto, agora ele está de roupa nova, é interativo, e fica em painéis clear channel nos pontos de ônibus, passando o tempo dos que enfrentam esse obstáculo – a mofada no ponto de ônibus – no dia a dia.

A idéia é tão legal que no ponto pára até gente que não tem tempo a perder. E a Fanta, que queria inspirar as pessoas a viver de forma mais divertida, com o slogan “Imagine!”, está mandando bem nas ações de um modo geral, em especial nas voltadas para mídia exterior e internet. A campanha foi criada pela Ogilvy and Mather, de NY, com envolvimento de suas equipes locais, como foi aqui no Brasil. No site da campanha pode-se jogar jó-ken-pó (o universal pedra, papel e tesoura), ou labirinto, e ver as campanhas (divertidas e de altíssimo nível de animação 3D – criados pela a agência de design Psyop). Vale conferir. Aliás, site de campanha será assunto comum aqui no logorama. Existem vários muito interessantes e que cumprem o papel de comunicar conceitos das campanhas com entretenimento e conteúdo.

Sobre a ação da Fanta, os logorâmicos adoraram e brincaram em um clear channel de ponto que fica na São Clemente, quase na esquina da Eduardo Guinle. É legal ver tecnologia e criatividade andando juntos, a partir de conceitos bem pensados e aplicações estimulantes.

Quando a gente acha que já viu tudo...

2007-08-30T14:53:00.000-03:00

Hyposurface é uma instalação em uma superfície metálica aonde a superfície da tela se move fisicamente.

Segundo os criadores do tech-treco, o dispositivo pode ser ligado de determinada interface de entrada a qualquer saída, definindo a forma de interação e o resultado dela.

“As a digital device, any input (sound, movement, an Internet feed...) can be linked to any output (logos, patterns, text...)”

Sobre a tecnologia utilizada, ‘information bus’, controla os múltiplos agentes que “deformam” a superfície, permitindo interações de alta velocidade. Como descrito por eles: “HypoSurface uses powerful ‘information bus’ technology to control many thousands of moving actuators to deform a pliable surface, allowing high-speed movement of the screen surface”

Segundo os produtores, a interface foi a menina dos olhos da última CeBIT, a maior feira do mundo de tecnologia, que acontece na cidade de Hannover – Alemanha. Depois de ver o vídeo, não é difícil de acreditar...

A pequena crítica é com relação ao cuidado que se deve sempre ter na aplicação. Ou um monstro de metal deformado pode ser facilmente criado.

Mais no site da HypoSurface, onde há vídeos de usos diferentes.

Absolut com a cara do Brasil

2007-08-30T14:46:00.000-03:00

Absolut Brasil é um projeto de releituras artísticas da garrafa da vodka Absolut. 12 artistas de peso no cenário da arte contemporânea nacional foram convidados para desenvolver suas interpretações da marca, seja pela moda, música ou artes plásticas, buscando imprimir características da brasilidade.

Nando Costa, Coletivo, Nelson Leirner e Daniel Senise são alguns dos nomes do projeto, que gerou uma exposição sobre as belas garrafas e seus conceitos no Conjunto Nacional, na Paulista, 2.345, até 06/09.

Vale conferir as Brasileiríssimas garrafas no site.

Marmelada Interativa

2007-08-30T14:29:00.000-03:00

Para fechar essa primeira edição do blog, vamos falar de um assunto que esta cada vez mais na boca de publicitários, designers, e no mundo da arte: interatividade.

Fazer uma busca por “interatividade” no google gera mais de dois milhões de resultados em 0,04 segundos, alguns deles com cruzamentos curiosos, como “saúde interativa”, “direitos humanos e interatividade”.

Mas vamos lá... será que todo serviço que utiliza interfaces digitais, de alguma forma, é interativo? Por exemplo, se vender como uma produtora interativa quando se tem como core business a conversão de VHS para DVD não seria pegar carona numa onda onde tudo se define como interativo quando ninguém sabe exatamente o que se quer dizer com isso? O fato é que o termo ganhou uma elasticidade tão grande que o fez perder o sentido. Recorramos então, ao bom e velho pai dos burros:

Interagir: Agir, influenciar reciprocamente

Fica claro então que interatividade deveria ser aquilo que promove a ação de forma a gerar essa influência recíproca. E isso não é exclusivo do universo digital. Podemos ver, na obra de Helio Oiticica, por exemplo, uma proposta interativa. O mesmo poderia ser dito da Obra Aberta, de Humberto Eco. Fato é que o meio digital e suas ferramentas gera novas possibilidades interativas. Mas isso não quer dizer que tudo o que é digital, está no ambiente digital ou usa recursos digitais, é interativo.

As atuais exposições da Bia Lessa, por exemplo, (as duas últimas que os logorâmicos viram foram Sertão Veredas e Clarice Lispector), não tem nada de tecnológico e são extremamente interativas. Já alguns espaços culturais que tem o chamariz da arte interativa, nem sempre conseguem contextualizar a obra de forma a convidar o espectador e, deixá-lo confortável para interagir com as novidades que estão por lá.

As novas possibilidades que surgem com as mídias digitais e com a interação entre o meio real e virtual, aumentam as possibilidades do interativo, isso não se pode negar. Podemos arriscar a dizer que permitem mesmo o surgimento de uma nova poética, de fato interativa, que tem como pré requisito a intervenção direta de quem a experimenta. O que vem ocorrendo, no entanto, é que muitas vezes este tipo de arte/interface tem tido suas peculiaridades mal aplicadas, não gerando o resultado potencial.

Na fase de experimentação e ascendência de uma estética, de uma linguagem, é comum que aconteçam tentativas de aplicação diversas, até mesmo para experimentar e questionar o suporte, a própria linguagem e mesmo para testar o público. O que precisamos para evoluir é que os pensadores, criadores e curadores dessa arte digital, busquem “meios-convites” para que a tal interatividade aconteça. Isso pode ser feito de diferentes formas, seja por recursos cenográficos, sonoros, uso de iluminação ou pensando a própria interface como algo provocativo, convidativo. É a tarefa de buscar formas de melhor comunicar a mensagem. É preciso provocar a experiência.

Na publicidade e em outros segmentos que usam os aplicativos interativos, essa é também a regra geral.A boa noticia é que existem muitos bons exemplos. Aqui no blog vamos ter esse assunto como constante pauta de nossas postagens. Exemplos, cases, aplicações, novidades.

Começamos hoje. Para essa discussão dar caldo, precisamos da colaboração de todos os interessados nesse assunto. Divulguem para os amigos, parceiros e companheiros de trabalho o Logorama! Por enquanto, indicamos o blog do Itaú Cultural também. Dentro dessa discussão das aplicações da arte interativa, um bom artigo no blog do Itaulab:
Onde Estão os Cronópios da Arte Tecnológica?

alias, Grande Sertão Veredas aterrizou pelo Rio, no MAM. Vale uma visita com calma. Mais, lá na agenda.

Abs,